Como muchos sabrán yo vengo de otra casa a la cual he estado linkeando lo que aquí escribo y visceversa. Pero creo oportuno de a poquito ir rescatando los artículos de alli antes que (como ha pasado a personas que conozco) me cierren la página y ya no pueda atesorar esas películas que comenté.

Hoy les traigo la primera que es una de mis favoritas: Las Alas del deseo de Win Wenders.

Cierta vez me hallaba en una reunión informal donde estaba invitado un sacerdote, joven y risueño, muy agradable al hablar. De pronto surgió el tema del cine y presté oído de inmediato. Yo era muy jovencita, una adolescente y este buen hombre se pone hablar de una película llamada "Las alas del deseo". En ese entonces lo que valía era todo producto salido de la meca del cine, y esta era alemana: empezábamos mal. Pero el título me atrajo bastante (el original es "Der Himmel über Berlin", algo así como el cielo sobre Berlín) y consideré entre dientes la posibilidad de verla. Más aún me llamó la atención cuando el padre, cuyo nombre realmente no recuerdo ahora lamentablemente, comentó que tanto le había gustado que ´había dado a la tarea de transcribirla, ya que el libreto no estaba en absoluto disponible. Tengo que verla me dije y no fue sino hasta más o menos unos dos o tres años después que cuando dejé de buscarla en los video clubs, la hallé escondidita en uno de esos megalocales que muy raramente cuentan con títulos de este calibre.

El film ronda la historia de dos ángeles, caracterizados tirando más a Tim Barton que otra cosa ( sobretodo gris, aspecto lúgubre y aburrido). Uno de ellos suspirando incansablemente por querer saber qué se sentiría ser humarno, oler, comer, amar. Hasta que conoce a una trapesista tan solitaria en su mundo como él y ya... no contaré más porque no es la idea.


La pelí realmente es para aquellos que buscan meditar sobre lo que ven, sentir con el personaje. Es lenta,prevengo . Hay que leer muuuuuucho y está filmada en gran parte en blanco y negro. Tiene unos diálogos alucinantes y profundos y la historia es tan tierna como conmovedora. Les aviso: algún lagrimón se suelta salvo que sean un Mr Burns en potencia. Los protagonistas son Peter Falk, Bruno Ganz, Otto Sander, Solveig Dommartin; reconocerán en escenas al querido detective Columbo haciendo de él mismo, o sea del actor encarnando a Columbo.

Más tarde se hiso la segunda parte llamada "FARAWAY, SO CLOSE!" donde ya se metió más la mano americana y donde reconocerán la banda de sonido de U2 con el tema so close so far.

Vale la pena, si les gusta este tipo de cine de culto. Yo la tengo como esas películas de cabecera, inmortales que no canso de mirar. Si quieren saber algo más sobre el director les dejo el link oficial. (clik en la imagen siguiente)

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El espectador medio de cine por lo general ya no gusta del musical. Es un género que ha perdido adeptos en la fugacidad de las imágenes y en la evolución de los efectos especiales. Incluso Moulin Rouge, una excelentísima adaptación del viejo clásico con ingredientes de lo más variados en la musicalización (desde The police hasta Kiss) tuvo en su momento una cálida recepción por parte del público al menos argentino. Sin embargo entre el 2007 y 2008 tenemos dos apuestas de musicales que más allá de las críticas han generado público: Mamma Mía y Hairspray. Ambas nacidas de populares musicales de Broadway (aunque hairspray tuvo debut fílmico antes que teatral en 1988).

Mamma Mía es la versión en cine (2008) de un musical de teatro dirigido por Phyllida Lloyd y escrito por Benny Andersson y Björn Ulvaeus. El musical fue creado una década antes por Catherine Johnson basándose en las canciones del cuarteto ABBA. La película fue producida por Universal Studios junto a la compañía de Tom Hanks Playtone y Littlestar., con un repertorio donde se destacan una Meryl Streep de muy buena voz y movimientos aceptables y un Pierce Brosnan con todo el merecimiento de su premioRazzie (anti Oscar recuerdan?), acompañados además por Donna Sheridan, Colin Firth y la genial Stella Skarsgård. La historia no dice mucho, es mera excusa para las canciones en una paradisíaca isla griega. Es entretenida, por momentos algo aburrida pero es imposible no dejarse llevar por las canciones, lo cual es todo un logro para un género tan arrumbado.

Hairspray en cambio, es un musical con todas las letras, excelentemente bien ambientado y con un cúmulo de estrellas que realmente no pasan inadvertidos: John Travolta, Michelle Pfeiffer, Christopher Walken, Amanda Bynes, James Marsden, Queen Latifah, Brittany Snow, Zac Efron (Highschool Musical),y la flamante nueva actriz Nikki Blonsky como Tracy Turnblad. Llena de color, con un argumento crítico y además irónico y sarcástico de lo que fue el furor musical, y sobretodo de los programas de televisión para adolescentes de la década del '60. De las dos es la que deja moraleja y desarrolla su argumento no sólo en lo musical sino también en las líneas de acción que quizá le faltan a la primera.

Dios quiera que el género no muera y la música siga sonando!!!

Les dejo una de las canciones de Hairspray para que disfruten!

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Así como año a año todos están expectantes a conocer los ganadores de los Oscars (y más de uno determina el futuro de su carrera con estos) también año a año se esperan y mucho los populares anti-oscars más conocidos como los Razzies. Creados por el crítico y escritor de cine John Wilson en 1980, intentado complementar y criticar con un enfoque cómico los Premios de la Academia, estas entregas pocas veces tienen la presencia de actores y directores como su “legal” compañero.
Hay quienes les temen más que a los propios Academy Awards desde el punto de vista que ganadores o perdedores son votados por el propio público. Lo que pocos se dan cuenta es que aquellos que concurren a la entrega, haciéndose eco de la gracia y sátira que encierran y demuestran saber reírse de sí mismos, son los que más popularidad ganan entre los espectadores para posteriores películas. Aquí les pongo los ganadores principales.

Peor película:
El gurú del buen rollo (Mike Myers)
Peor Actor:
Mike Myers (El gurú del buen rollo)
Peor Actriz:
Paris Hilton (The Hottie & the Nottie)
Peor Actor de reparto
Pierce Brosnan (Mamma Mia!)
Peor Actriz de reparto
Paris Hilton (Repo! The Genetic Opera)
Peor Pareja en pantalla
Paris Hilton, Christine Lakin o Joel David Moore (The Hottie & the Nottie)
Peor secuela, remake, Rip-OFF
Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal
Peor Director
Uwe Boll (In the Name of the King)
Peor Guión
El gurú del buen rollo
Peores logros en una carrera cinematográfica

Uwe Boll

A continuación el video que Uwe Boll, con su mejor humor y sarcasmo, mandó a la presentación con motivo de su ausencia. Para los que no hablen inglés básicamente desde Sudán su nuevo hogar, Boll "agradece" a la academia haberle arruinado la carrera con el premio y por eso su "mudanza".

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Impactante sorpresa obtuve esta madrugada cuando vi la lista de ganadores en la site oficial de los Oscars. En un evento que realmente no ví (es largo y realmente muy armado para mi gusto) el gran ganador fue mi preferido Danny Boyle con su Slumdog millonaire!. Hollywood se ha jugado, amigos, y ha ganado respeto en dar un voto a la calidad antes que a la parafernalia de la pubicidad.

No quiero decir más, hay millones de sites dejando sus impresiones sobre el caso. Las que tengo linkeadas son más que geniales para que lean, se las recomiendo. Yo, feliz. Yo, radiante. Yo he vuelvo a mirar a la Academia con ojitos más querendones. Lástima por mi adorada Merryl; pero una mancha más al tigre no la hace ni mejor ni peor.

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Be kind rewind, es una comedia tributo. Sea donde sea que uno focalice su atención verá un tributo: al cine, más especificamente al cine clase B o prácticamente cine Z; a los pequeños locales absorvidos por las mega empresas; a la relación dueño- empleado que ya no existen en ese tipo de corporaciones; a los barrios y el conocimiento entre vecinos; al VHS ya desaparecido por el crecimiento del DVD; etc, etc.Dirigida y escrita por Michel Gondry (Eterno resplandor de una mente sin retorno) y protagonizada por Jack Black, actor de mi total desagrado pero bueno... la peli no pierde valor estando el de todas formas; Mos Def, Danny Glover, Mia Farrow y Sigourney Weaver en un mini rol de último minuto. El argumento es simple y hasta típico de comedia al principio. El señor Fletcher, Glover, posee un video club pequeño y oscuro a punto de ser demolido por una empresa constructora. Tiene un empleado, Mike, que adora como un hijo y al que deja a cargo del local por un viaje. El amigo de Mike, Jack Black, a quien le falta unos cuantos jugadores en la cancha, se las arregla desde el primer día para desmagnetizar todas las cintas. El negocio amenaza con quebrar más rápido de lo previsto cuando surge la idea de filmar una versión casera de los Cazafantasmas para una clienta un tanto "ida", Farrow , quien seguramente no repararía en las diferencias con el original. De ahí en más todo se revoluciona en el barrio con la popularidad que adquieren estas versiones alternativas.Lo sabroso de este film es ver justamente esas versiones, sin efectos especiales, con puro pulmón y a cartón y cinta adhesiva. Con técnicas de hace 80 años y con el apoyo de un entusiasmo irracional. El final es conmovedor, aunque sumamente previsible, sin golpe bajo pero tierno.

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Ya llegan los Oscars y gracias a Dios terminarán las charlas, debates y apuntes sobre todo lo referente a los nominados. A pesar de que quedan algunos días para seguir hablando de directores, actores y demás he decidido cerrar el tema por ahora y abocarnos a otro más atractivo; bueno al menos para mí: la ROAD MOVIE.
Se llama así a esas películas que teniendo un viaje como trasfondo, por lo general en auto en una carretera por supuesto, se desarrolla en diferentes escenarios con situaciones más bien episódicas, a modo de obstáculo por sortear, donde el o los protagonistas terminan siendo diferentes de lo que son cuando comienzan dicho peregrinaje Relacionadas abiertamente con la tradición literaria del viaje iniciático se mezclan en este género la metáfora clara de los viajes que se nos presentan en la vida, las transiciones, y el famoso “conócete a tí mismo” a las puertas de Delfos. Dentro de la literatura clásica suele establecerse La Odisea como punto antecedente de este tipo de films, no obstante si nos focalizamos meramente en la industria cinematográfica diríamos que nacen en los años 30 o 40 del star system de Hollywood cuando la indutria automotriz estaba en auge y poseer un automóvil era signo de jerarquía y porqué no de aventura (no todos podían poseer uno típico descapotable para volar pañuelo al viento en plena carretera), sin embargo como género en sí que crecería con los años se desarrolla en los '60 con películas como Rebelde sin causa, Salvaje, Bonnie and Clyde e Easy Rider. Así como en el Bildungsroman, el viaje revela al héroe algo sobre sí mismo en lugar de sobre el lugar al que ha llegado, lo importante es el proceso no el destino. Este es una especie de excusa para poder desarrollar la personalidad o morir en el intento. Como describía Sam North este tipo de género: “ La ironía de las road movies es que parte el débil, pero sólo sobrevive el fuerte”.
La existencia de un conductor y una carretera no hace de una película una road movie; pero desde el más profundo al más banal de los argumentos, toda road movie tiene elementos en común: personajes que se embarcan en un viaje, episodios de superación, desarrollo de la propia personalidad tras un auto conocimiento nuevo, etc. También apunta que “estas personas que escapan a menudo tienen un coraje y determinación que nunca sabían que tenían (…) Las Road Movies tratan después de todo sobre la búsqueda de la Utopía...”
Hoy día no necesariamente se plantean específicamente con la participación de una carretera y un automóvil. Hoy ha evolucionado bajo la impronta que describían en la novela On the road, antecedente también de este género. Estar en marcha, moverse. La marca del viaje como forma de evolución. Y si bien muchas películas podrían formar parte de una inmensa lista de road movies (Thelma y Louise, Un mundo perfecto, Caballos salvajes, Una historia sencilla, El perro, historias mínimas, etc.), hay una que me encantaría destacar: O'Brother where are thou?, Dónde estás hermano?, de los justamente hermanos Coehn. Si bien muchos aplican la idea de que la película parecería ser demasiado localista y referida puntualmente a una época específica de los Estados Unidos para poder ser entendida cabalmente por cualquier mortal, lo cierto es que para el ojo preparado no nos cuenta otra que la mismísima Odisea de Homero. Con una versión hiper libre, eso sí, pero con constantes alusiones al argumento y la línea de la obra literaria.Quizá por ese localismo fue que en Cannes apenas tuvo un cálido acogimiento cuando en realidad por lejos diría que es la mejor película de los Cohen.
Tres convictos huyen de la cárcel (George Clooney, John Turturro, Tim Blake Nelson) para buscar un inmenso botín escondido. En el camino surgirán descabelladas situaciones: conocen a un famoso bandido depresivo y neurótico, serán estafados por un John Goodman simpático y comprador, serán seducidos por sirenas del '30 y hasta ganarán popularidad tocando en una radio la única canción que saben.Realmente más allá de gustar o no de las road movies, no se pierdan este film que es de culto.

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Este virginiano de 47 años nacido en Denver, Colorado, recuerda haber querido ser director de cine desde pequeño cuando a los 7 años presenció la filmación en locación de unas escenas de Butch Cassidy. Ya en época escolar filmaba en 16 mm y editaba con amigos aquellos primeros pasos por el arte visual. A los 18 años tuvo la oportunidad de trabajar para John Korty en la Korty Films en Mill Valley. De ahí pasó directamente al área de los videoclips, realizando para figuras como Madonna, Aerosmith o los Rolling Stones éxitos musicales.
Casi como mágica mano del destino, al final de su calle, en su barrio, un vecino llamado George Lucas le daba la oportunidad de trabajar con él en la Industrial Light and Magic, donde participó de films como “El regreso del Jedi”o “La historia sin fin”. Más tarde participaría en films como Alien 3 donde los efectos visuales hacen referencia a sus orígenes de arte pop musical.
Pero finalmente fue en 1995 cuando con Seven demostró una genialidad para contar una historia que se transformaría en el hito de los thrillers. Fue aquí donde demostró el tipo de historias para las que estaba hecho: gran tensión psicológica, paranoia, pesadillas, demonios de la psique humana. Gustoso de mostrar las miserias y miedos más profundos de cualquiera de nosotros donde los claro oscuros resaltan esas zonas entre los miedos y la posibilidad de enfrentarlos. Cuatro años más tarde llegaría El club de la pelea, que le provocó seguidores en la mayoría de los lugares donde el film había sido estrenado, ganó madurez estética y finalmente casi como homenaje a Hitchcock dirigió en 2002 La habitación del pánico donde los miedos y las paranoias más terribles (claustrofobia, muerte violenta, etc) están a flor de piel retando a los protagonistas a balancearse entre la locura y la cordura.
Siendo su filmografía realmente enorme, desde aquellas dirigidas por él mismo o en las que participó detrás de cámara ( Cocoon, Tiburón, etc) finalmente decide no filmar más películas de terror psicológico y da con el guión de El curioso caso de Benjamin Button. Aquí distinguimos lo que sería guión de la estética de la dirección puesto que bastante vida dio a una historia que realmente no trasciende demasiado a pesar de la publicidad que la rodea. Este último film suyo cuenta con muy buena definición visual, donde una vez más parecería recurrir a los vaivenes del pop, pero su trabajo para con los actores, tan deslucidos y poco entusiastas deja mucho que desear.
Lo cierto es que bajo cualquier termómetro oscar, va cabeza a cabeza con su partener inglés.

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Una de las películas preferidas de quien les escribe es Slumdog millonaire del director Danny Boyle quien ha sido recientemente nombrado mejor director por el mismísimo gremio de directores. Nacido en Manchester, Inglaterra, y con ascendencia irlandesa; este hombre de 52 años ha llegado al, por ahora, máximum de su creatividad con una película original por donde se la mire, ganadora de varios premios de la crítica, cuatro Globos de Oro y siete Premios Bafta, y candidata a 10 Oscar, incluidos los de mejor película y director.
Sus comienzos se dieron en el teatro con la Joint Stock Theatre Company y la Royal Court Theatre; y durante los ’80 comenzó con la dirección de series televisivas como Mr. Wroe's Virgins y episodios de Inspector Morse. Al cine llega a partir de 1994 con un par de comedias negras hasta que en 1996 con su Trainsppoting obtuvo la sacudida popularidad con una película antidroga que le ganó opiniones encontradas a favor y en contra de su talento como director. Nadie podría igualmente negar su originalidad en las imágenes y la musicalización que colaboró con la generación Pop imperante entonces. Una película que pretendió catalogarlo dentro de los “directores de culto”, aunque más tarde su labor en “La playa” desterrara para algunos dicha posibilidad. Film que además le ganó (por una serie de malentendidos de esos que siempre abundan en Hollywood) su alejamiento con el actor Ewan McGregor quien protagonizó hasta ese entonces varios de sus trabajos.
En cuanto a este nuevo film que aquí en Argentina se conocerá con el nombre de “¿Quién quiere ser millonario?” (en referencia al programa en el cual se basa el argumento basado en la novela del diplomático indio Vikas Swarup), este director comenta que sin duda al comparar Slumdog Millionaire con su casi antecesora producción “Millones”:-“…trata los mismos temas de Millones. En ambas películas hay dos hermanos, uno de los cuales idolatra el dinero, sabe el precio de todo, pero desconoce el verdadero valor de las cosas. Por el contrario, su hermano menor no sabe nada del dinero, no entiende cómo funciona, no le gusta. Son las mismas fuerzas contrapuestas: el consumismo frente a lo espiritual del hombre. Es interesante introducir
el dinero en el desarrollo de un personaje, pues le cambia para bien o para mal. Cambia todo”-
Hombre de orígenes religiosos apela a la razón de la película:- “Creo en el destino, en la providencia, porque nos pasan cosas que no se explican científicamente”-.

Eperemos esta providancia le otorgue el tan merecido Oscar.

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Visto y considerando que se nos vienen los Oscars. He decidido darles a conocer mi propio pronóstico de los premiados (recuerden que a la derecha tienen la grilla para descargar). Aclaro que el hecho de pronosticar quién ganará no significa que prefiera esa opción, en lo posible daré a conocer mi preferencia, pero como no he llegado aún a ver todo el material de los nominados pues me disculpo por los baches de antemano. Así mismo pondré las ternas (que ya no son tales) más esperadas por el público en general.

Actor principal

Muy difícil de decir porque si me preguntan a mí diría que Langella la viene remando mucho y en “Frost/Nixon” bien merecido se lo tendría. Sin embargo algo me dice que el Rourke está sonando mucho, lo cual no sería extraño que se llevara la estatuilla. La academia suele dar premios consuelo y en este caso no estará muerto como Ledger, pero cuando el río suena....

Actor de reparto
De cabeza se lo lleva Ledger, ya se los digo. No es que lo considere mal actor ni nada pero me pregunto si siquiera tendría una nominación estando vivo. En mi caso votaría por Shannon de Revolutionary road, excelente performance.

Actríz principal.

Otra difícil. Quién se lo negaría a la Streep?, yo la haría socia vitalicia del Oscar ya, pero...pero mi gente lo mismo que con Rourke se lo lleva la Winslet.

Actriz de reparto

Veamos, la Marisa Tomei es simpática, ya se llevó un Oscar; esta vuelta no vi “El luchador” asique no me atrevo a definir nada sobre su trabajo. Penélope Cruz viene creciendo mucho y si bien no me parece que en Vicky, Cristina... haya dado una super actuación, por el trabajo que hiso en Elegy realmente se lo merecería. Si bien acá también el río viene sonando … me atrevo a prever sorpresas y quizá Amy Adams sea la ganadora.

Animación

Siempre Disney o Pixar qué dilema!, y si se la dan a las dos?será Bolt? Yo votaría Wall-E

Dirección
Acá la lucha es dual: o Slumdog o Benjamin. Yo voto la primera y creo que se la llevará.

Maquillaje
Benjamin Button seguro y juzgando las que la acompañan también yo la votaría.

Canción original

Bueno, a mí me gusta mucho Jai Ho, quizá halla sorpresas en este punto, pero me arriesgo al conservadurismo de la academia y digo que Down to Earth se hará con la estatuilla.

Mejor película

Llegamos al punto crítico porque hay varias favoritas. En este punto votaría al del millonaire, ya lo saben, pero creo que se la darán a Benjamin Button.

Mejor guión adaptado
La duda, no cabe duda (cuack)

La sorpresita de la noche: In-Bruges que prontamente reseñaré. No se la pierdan que lo vale plenamente!.

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Inspirado en “La dama de las camelias” o quizá en “La traviata” para fidelidad del género musical; este film magistralmente dirigido por Baz Luhrmann, es una historia que más que verla hay que sentirla. La vista y el oído quedan arrollados por una combinación exuberante de colores y temas musicales que honran tanto los clásicos de Hollywood de los años ‘50, como las conocidas canciones pop que todos disfrutamos desde David Bowie a Elton John, de Madonna a Queen, de John Lennon a Nirvana. La compaginación de estilos en servicio del argumento y de los diálogos es una verdadera lluvia de creatividad. Imposible no disfrutar este film, guste uno o no de los musicales.

Siendo un género de público realmente bastante reducido diría que en este punto Moulin Rouge es un tributo a todas las manifestaciones del arte: el teatro, por su exagerada puesta en escena, exagerada pero no vulgar; la música, la pintura ya que hay bastantes alegorías a cuadros fácilmente reconocibles, uno de los personajes interpretados por John Leguizamo por ejemplo se llama Toulouse Lautrec; el cine, etc.

Con una Nicole Kidman que realmente me asombró cantando (no sabía que lo hacía honestamente hasta ver esta peli) y un Ewan McGregor que se luce en este caso aunque no es un santo de mi devoción, la música ocupa prácticamente toda la obra sin dar lugar más que a un par de frasecitas cortas, los diálogos atenerse, son cantados!.

El argumento se desarrolla en París, más particularmente en la cuna del arte de esa época (alrededor del 1900) Montmartre. Christian es un bohemio que abandona su casa y que a pesar de los mandatos paternos se encasilla en querer ser escritor. Conoce un grupo de artistas locos que bajo el lema de “amor, libertad, verdad y belleza” tratan de llevar a escena una obra a la que le falta lo importante: dinero. Buscando a un famoso duque que los promocione terminan todos en el famoso y más grande cabaret: El Moulin Rouge (molino rojo) donde nuestro idílico joven conoce a Satine, la cortesana más pretendida y hermosa de Paris. Desde allí arranca una historia de amor prohibida que llevará la comedia y la tragedia en un constante equilibrio sin perder un céntimo de calidad.

Para disfrutar una y mil veces, sobretodo insisto, la banda de sonido.

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Llega San Valentín, justamente un Sábado. Muchos son los sites que recomiendan una lista de películas para ver este día. Considerando que quieran ver cine este Sábado de San Valentín o que quieran soñar con amores aquellos que no tengan pareja (tranqui todo llega), aquí les dejo las que para mí son las mejores historias de amor y cómo están contadas. La lista es larga pero la acoté a estas cinco joyitas. Algunas con enlaces a comentarios ya hechos, otras se los debo, sepan disculpar.

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BUENA PARA MAYORES DE 13 APROX.

Harvey Bernard Milk fue un activista político de San Francisco que luchó incalnsablemente por los derechos de los homosexuales. Logró luego de varios fracasos el puesto de supervisor (legislador digamos) de su ciudad y desde allí enfrentó una gran cantidad de enemigos entre los que se hallaban John Briggs (supervisor también) y Anita Bryant, cantante y modelo de la época que se encaramó, gracias a su extremo conservadurismo, contra la comunidad gay.
La película es un drama en forma de Biopic (biographic picture) donde hay montajes con muchos de los sucesos reales perfectamente fusionados entre sí. En ese aspecto el director,Gus Van Sant, rearmó una escelente ambientación y supo mostrar el clima de la década. Si bien la lucha se centró en la pelea por los derechos humanos de los homosexuales , los diálogos se engrandecen a una globalidad de minorías que sufrían la misma falta de derechos. La película habla sobre la intolerancia, la ignorancia, los mitos y las falsedades que enfrentan a unos contra otros.
El primer cuarto de la película es muy interesante, es llevadero y deja con ganas de saber realmente quién es este hombre cuya fuerza y autoaceptación lo llevan a una popularidad en ascenso. La actuación de Penn ayuda a ese carísma, es un actor al que no se le puede negar el talento, sin embargo no me convence tanto como para una nominación al Oscar. Al menos no por este film en particular que poco a poco va perdiendo ritmo y se asemeja a un lento documental sobre la vida de un político norteamericano. No es que le falten escenas dramáticas pero una cierta frialdad en el tratamiento del tema sobrevuela una vida que supongo realmente debe haber sido rica en anécdotas. Sobretodo por la reputación de excelente orador que se había ganado Milk. El resto de los personajes son interesantes pero carentes de profundidad; la importancia de Dan White (Josh Brolin, nominado como mejor actor de reparto) por ejemplo, está prácticamente deslucida, no se ahonda en la psicología de un personaje evidentemente perturbado y clave en el argumento.
No obstante,como siempre digo, es un film digno de verse para conocer sobre una época obscura de la sociedad norteamericana que también se ha dado en otra muchas sociedades, que lamentablemente hoy en día aun se sigue dando. Es interesante ver cómo una lucha incansable ha dado frutos y ha logrado algo que el propio Milk manifestaba en una frase superior: «Si una bala atraviesa mi cerebro, dejad que esa bala destruya las puertas de todos los armarios».

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MUY BUENA SOLO PARA ADULTOS

El periodista Michael Straczynski, guionista del film, fue el que dio con la historia de Christine Collins. El mismo cuenta:- “Un contacto que tenía en el City Hall me llamó un día y me dijo que que estaban quemando viejos archivos y que había uno al que debería echarle una mirada antes que fuera al incinerador. Fui y tenían una transcripción donde aparecía el caso de Christine Collins. Comencé a leer el testimonio y pensé, “esto realmente no pudo haber pasado, tiene que haber habido un error”. Pero no me fue suficiente y me quedé enterrado leyendo todo antes de que fuera quemado”. Tardó un año en investigar la historia hasta que finalmente de la mano del excelentísimo Clint Eastwood llegó El cambio (Cangeling en el original) donde nos cuentan la historia de una mujer que tras la desaparición de su hijo y la ineptitud de la policía local enfrenta a un sistema basado en la corrupción y el maltrato hacia la mujer especialmente.
La película en sí cuando la vemos causa la misma conmoción que al guinista: no, esto no pudo haber pasado, está todo exagerado. Pero la realidad es que consta en los archivos y que el caso de los crímenes de Wineville (o del gallinero de Wineville) fueron ciertos y hubo un procesado que murió en la horca por el crímen de tres niños. La película está muy bien llevada, se centra en la lucha de una ciudadana común contra el sistema político local. Los crímenes en este sentido no son explícitos aunque hay escenas que no convienen al ojo del menor o del adulto sensible.
La actuación de Angelina Jolie me sorprendió con todas las letras. Si bien en Gía (1998) realizó una excelente interpretación de la vida de la modelo, siempre la tuve como una cara bonita y nada más; pero en esta obra bien le vale la nominación al Oscar (aunque sigo votando por Merryl). Acompañada por John Malkovich (reverendo Gustav Briegleb) la película es un derroche de talento que además cuenta con Jeffrey Donovan (capitán J.J. Jones y protagonista de la serie Operación Miami), Jason Butler Harner que interpreta impecablemente al asesino Gordon Northcott y Amy Ryan en la piel de Carol Dexter, una prostituta que le dará a la desesperada madre ( que a esta altura ya ha sido puesta en un psiquiátrico por la propia policia para desacreditarla) la verdadera fuerza para seguir adelante.
La historia real según parece aconteció bastante similar a la película, lo cual ya es desesperante y refirma aquello de que la realidad supera la ficción. Imagínense una madre que pierde a su hijo, de entrada la policía la desacredita diciendo que hay que esperar 24 horas porque siempre aparecen, pasan 5 meses y un mocoso afirma ser el niño, la policía contenta le entrega el niño a la madre y ella dice: no, mio no es. Pero las autoridades no quieren quedar mal y la “persuaden” que se quede con el niño porque está confundida y alterada. Ella insiste y gracias a la ayuda de un Reverendo ansioso por ver como barren con la corrupción de Los Angeles la lucha se encarniza y la pobre Christine es enviada a un loquero bajo el “código 12”, código que nos enteramos se usaba en al época para enterrar en el olvido a las mujeres que por una u otra manera se convertían en un problema político y hasta personal. La corrupción salta por todas partes, médicos, enfermeros, policías; pero también están gracias a Dios los buenos y casi por casualidad uno de los buenos policías da con la verdad. Aquí entra en escena los crímenes de los que hablabamos antes.
No quiero seguir contando, les dejo unas fotos de los protagonistas originales y además si clikean en ellas tienen un link para ir a páginas con la historia real de los hechos. La mayoría en inlgés eso sí.
La película vale la pena verla en todo sentido. Apabulla, emociona, causa aberración, pero es digna de verse.

La verdadera Christine Collins y su hijo Walter.

Christine y el más que probable asesino, Northcott. Nótese la cara de loco!

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El pobre de Guy Ritchie en este país es más conocido como el ex de Madonna, pero la realidad es que en lo profesional es un director de cine bastante reconocido, en especial en su tierra natal, Inglaterra. Para los amantes del cine seguramente lo recordarán a la cabeza de Snatch, cerdos y diamantes, que fue el film que lo marcó dentro de la lista de promesas del 7mo arte. En ese entonces nos ofreció una película llena de dinamismo, con acción, comicidad, ironía, algo de suspenso y mucha pero mucha locura. Su forma de contar era totalmente fugaz y muchas veces caía en el absurdo.



Digamos que esta vuelta nos ofrece algo similar, eso le valió un par de críticas, pero con menos dinamismo, un poco aletargada para lo que nos acostumbró. El argumento es difícil de explicar como todos sus guiones hasta ahora. La cosa es más o menos así: el negocio real en Inglaterra más que la droga, es el rubro inmobiliario. Un mafioso que se encarga de comprar ,vender y adquirir “permisos” de construcción conoce a otro mafioso ruso que quiere invertir mucha mosca. Este como signo de confianza le presta al mafioso inglés su cuadro de la suerte y a partir de entonces, y casi fortuitamente la cosa se complica: robos, estafas, un par de ladrones de mala muerte y de mala suerte en medio, una contadora traidora y una sorpresa final imperdible. En medio del lío, un cantante de rock que vendría a convertirse casi también por casualidad en la causa de los problemas y en el futuro de la mafia inglesa.



La película está muy bien hecha, tiene muy buenos actores, entre ellos: Nonso Anozie, Gerard Butler, Charlotte Armer, Thandie Newton, Jeremy Piven y Tom Wilkinson. La música acompaña estupendamente la ambientación de marginalidad de algunos de los personajes y la trama es tan enrevesada como interesante. Muchos gags, pero como decía, con un ritmo diferente que comienza al 100% y termina alrededor del %50.

Valoración: 7

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Si hay algo al que el público argentino aún no se acostumbra es a los cortometrajes. Un arte que debería incluso fomentarse en las escuelas como forma de aunar disciplinas que despiertan intereses varios. En esta oportunidad quisiera darles a conocer, para aquellos que como muchos no suelen mirar cortos, Los celulares. Este cortometraje nació de un cuento que escribió una alumna de la escuela Ernesto Perez Cuesta y que cuenta con la actuación de alumnos de la misma escuela. Fue premiado como mejor dirección en el V FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE/CORTO DE TAPIALES y contó con la producción de 100 Bares de Juan José Campanella (El hijo de la novia- Luna de Avellaneda).
La historia es una historia simple, cristalina como sus protagonistas. Los invito a verla aquí.

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No sé porqué al ser humano le encanta tanto esto de marcar dicotomías constantes: fotografía vs. pintura, pintura abstracta vs. realista, literatura vs. cine. Cuántas veces habré escuchado:- ay! no, a mí dejáme con el cine porque leer me mata!. o - no, el cine no te cuenta todo como lo hace un libro. Ambas razones con valederas porque la gente en general no se da cuenta que son dos formas totalmente distintas de contar. Una recurre a la imagen y sonido y la otra a la palabra directa.

Enfrentarlas a ambas, literatura y pantalla, es como enfrentar una recreación pictórica de la biblia o como subestimar "el nacimiento de Venus" porque ningún relato mitológico lo cuenta así!.

Es totalmente justo y respetable que a algunos les guste más leer que ir al cine o visceversa. En mi humilde experiencia digo que por lo general al que le gusta leer se le nota en el tipo de cine que le gusta ir a ver al igual que aquel que no. Además por lo general al que le gusta leer, también le gusta el cine.

Es cierto, no obstante que cuando uno leyó una obra y luego va al cine a ver su versión en pantalla hay posibilidades de desilusiones porque uno imaginó cosas que el director plasma de otra manera o quita o pone de más. No está mal comparar, lo que está mal es enjuiciar porque después de todo el director está reinterpretando y eso hay que tenerlo muy en cuenta.

Por mi parte les pregunto:

¿y ustedes qué opinan?

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PÉSIMA REGULAR BUENA MUY BUENA EXCELENTE

SOLO ADULTOS SOLO NIÑOS PARA TODOS

Michael (David Cross) es un adolescente de 15 años que por un hecho digamos que fortuito conoce a una mujer, Hanna (Kate Winslet), solitaria, empleada de tranvías y que lo dobla en edad. Entre ellos nace una relación no solo amorosa que marcará sobretodo la vida del joven sino también la relación de Hanna con el mundo cuando años más tarde ya estudiante de leyes, Michael la reencuentra en un juicio donde se la acusa de crímenes en campos de concentración. La historia en sí tiene tres instancias bien marcadas que hacen de la narración un conjunto realmente genial, emotivo y hasta moralizador. Imposible permanecer inmutable ante los planteamientos que se dan acerca del ser humano, sus actos, sus culpas y pecados.
Stephen Daldry, el reconocido director de Billy Elliot y Las horas, dos obras ya capaces de hablar lo que significa este hombre en los medios cinematográficos; nos lleva por un camino de dualidad constante, de disyuntivas difíciles de resolver y de planteamientos nada fáciles que no se resumen meramente a una época histórica nazi. Va más allá, creo yo, al plantear un personaje monstruoso que uno no termina de poder indagar claramente. Así como el protagonista, uno no queda del todo convencido si la odia o la compadece, si la perdona o la condena. Las actuaciones de Winslet y Fiennes (El paciente inglés, la duquesa, Harry Potter) son impecables aunque hay que darle un merecido y abundante aplauso al joven David Cross (Help!,I’m a boy), actor alemán poco conocido en Hollywood (aunque no así su homónimo comediante) quien se lleva gran parte de la película para la cual se ha requerido seguramente de una madurez importante.
La fotografía es impactante como más aún lo es la caracterización de una Hanna madura y avejentada por los años y la vida pesada que lleva a cuestas. Vale, no obstante, remarcar que para este papel se pensó en Nicole Kidman quien finalmente desistió de la propuesta por estar cursando su embarazo y quien a mí entender hubiera quedado al dedillo para este papel. El autor de la obra literaria en la que está basada la película, Bernhard Schlink, declaró igualmente haber pensado en Kate para el papel… yo sigo ladeándome para el lado de Nicole aun cuando a la querida Winslet le reconozco una ya trayectoria y laboriosidad impagable.
Quiero destacar ante todo también la reaparición de un actor que me ha marcado con su trabajo en Las Alas del Deseo, un film verdaderamente imborrable. Bruno Ganz da vida aquí a un profesor de leyes que es el encargado de disparar las frases más certeras que dejarán pensando al espectador en más de una oportunidad.
En síntesis, este film es para verse y debatirse.

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