He decidido iniciar un pequeño juego, nada original pero interesante. Postearé una foto de algún actor o actriz con un par de pistas y ustedes deberán adivinar quién es. La idea ya les digo es promover el nombre de actores y actrices que uno tiene muy visto en diverentes films o series pero si les preguntasen el nombre dudarían un rato largo. Esta es una forma de poder darlos a conocer un poco más allá de la cara o el personaje de ellos que más haya impactado en el público. Premio, bueno, no hay es un mero reconocimiento. El que participe y tenga un´sitio web o blog, deje su link, no tiene porqué ser de cine netamente, están todos invitados. El que dejen su link es no sólo para promovernos entre todos, sino para así ganarse al menos una insignia al ojo más atento.
Obviamente el primero en adivinar será el ganador, los resultados el Miércoles 01 de Abril.
Gracias por participar y vamos con el primero!
Es inglés
Casi siempre personificó al malo
Ganó mucha popularidad gracias a un personaje en una conocidísima trilogía.
Su foto:
Bueno, de acuerdo, va una más sencillita por ser la primera vez.
El XI Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), organizado por la Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, tendrá lugar entre los días 25 de marzo y 5 de abril de 2009 con 417 títulos, 12 días (11 para el público), 20 salas y 1069 funciones. Si bien para muchos es meramente un encuentro de excentricidades y espectadores freaks, la realidad se impone ante el inmenso crecimiento que este festival ha tenido desde su creación en 1999. Como cinéfila puedo decir que es uno de los acontecimientos culturales más grandes para aquellos que buscamos en la pantalla grande algo más que las producciones comerciales. Muchos de estos films llegan a nosotros gracias a estas puestas en marcha y así y todo se hace casi imposible abarcar todos los títulos en apenas 12 días. El encuentro además cuenta con la sexta edición del Buenos Aires Lab (BAL), un evento que tiene por objetivo apoyar el desarrollo y la producción de cine independiente en Latinoamérica a través de encuentros y actividades entre realizadores independientes y profesionales del medio. Un encuentro mundial que cada vez suma más países. Films y documentales de naciones a las que pocas veces, o nunca vale mejor decir, tenemos acceso como la hermana Chile, Letonia, Japón, Colombia, etc. Con la genialidad además de un cine al aire libre y del BAFICITO – títulos para los más pequeños- este encuentro demuestra que al menos aquí en Argentina el cine está más vivo que nunca. A continuación les dejo un video donde el ministro de Cultura de la Ciudad, Hernán Lombardi, y el director del Festival, Sergio Wolf, lanzaron la programación del Festival en el Museo Sívori. Recuerden que para más información pinchando en la imágen tienen acceso al sitio oficial del festival. Agradecería que aquellos que ya han tenido la fortuna de participar del festival, nos deje su comentario (positivo o negativo) para todos aquellos que aun no han asistido a él.
Colaborando de nuevo con escritordeoficio.com esta vuelta hemos hablado de los guionistas, una profesión un tanto pasada por alto a la hora de valorar los films. Casi exclusividad de los cinéfilos los grandes nombres del cine en cuanto a escritores quedan en el anonimato. Un video para aquellos que quisieran adentrarse en la escritura de guiones cinematográficos.
Nacido y fallecido en Polonia, estudiante temprano de teatro, rechazado dos veces en la Lódz Film School, una de las más prestigiosas escuelas de cine donde también Polanski y Wajda fueron alumnos; Kieslowski se ha convertido en un referente del cine. Casi llevado por el destino a los campos del arte, su vida se transformó con el tiempo en una búsqueda constante del hombre, su naturaleza, sus temores y pasiones. Sin importar si era documental o ficción, su objeto era el mismo: “ Hay demasiadas cosas en el mundo que dividen a las personas, como la religión, la política, la historia y el nacionalismo. Si la cultura es capaz de algo, es de hallar eso que nos une a todos. Y es tanto lo que une a las personas. No importa quién eres o quién soy yo, si te duelen las muelas o me duelen a mí, es el mismo dolor. Los sentimientos es lo que une a las personas todas, porque la palabra 'amor' tiene el mismo significado para todos. O 'temor' o 'sufrimiento'. Todos tememos de la misma manera y a las mismas cosas. Y amamos de igual manera. Por eso hablo de estas cosas, porque en el resto encuentro irremediablemente división”. Su trilogía última, basada en los colores y leyenda de la bandera francesa, nos habla justamente de esto. Simbolizando en cada film un concepto distinto: libertad (Bleu), igualdad (Blanc) y fraternidad (Rouge) su focalización no excedía el ámbito del ser humano en cuanto a tal. Sin políticas o idealismos extremos: libertad emocional, igualdad de condiciones y oportunidades y fraternidad en cuanto al amor y solidaridad entre seres perdidos y solitarios. La trilogía aún cuando puede verse por separado es elemental verla en conjunto donde se descubren los símbolos en común y las interrelaciones perceptibles solo para el ojo atento y obsesivo. El símbolo madre es el del protagonista observando en ese momento crucial de la obra, donde los pensamientos se enfrascan y hay que decidir por donde seguir, a esa anciana casi desvalida colocando con cuidado las botellas vacías en el cubo indicado. Es la visión más grande y sublime de la solidaridad: un viejo que ya no tiene futuro en esta tierra tiene conciencia y compromiso por cuidar de todas formas un mundo que será de sus hermanos. Es la visión que el protagonista necesita para su propio reciclaje, el símbolo del renacer y del futuro existente. Quien haya sido asiduo del cine de Krzysztof podrá darse cuenta de la enorme evolución que hizo a lo largo de su carrera. Considerando la ficción como la verdadera herramienta para cualquier tipo de testimonio o retrato del ser humano. Un artista completo y profundo, que ha dejado aún un par de proyectos escritos de los que quizá alguna vez podremos disfrutar de la mano de algún colega como fue “Heaven” dirigida por Tom Tykwer en el 2002 y presentada en el Toronto International Film festival. La única parte completa de otra aparente trilogía (Heaven, Hell and Purgatory) basada en la obra maestra de Dante.
Una singularidad visual brillante, aunque obvia en estos casos, es el predominio de cada color costituyente en cada uno de los films. El azul que marca la obscuridad, frialdad y tensión de ciertas escenas en Bleu, el blanco con sus paisajes y vestuario en Blanc y finalmente el rojo en Rouge donde los colores rojizos y las gamas que se desprenden de este intensifican los ambientes cálidos, los objetos de deseo, etc.
Tres piezas de una misma joya cinematográfica que además abarca diversidad de géneros como el drama, la comedia irónica y el romance.
Si bien este es un blog de cine y realmente nunca se me dio por querer reseñar series, aunque soy aficionada a varias de ellas, no podía dejar pasar la nueva apuesta de Fox, Lie to me (miénteme). De por sí me gustan las series al estilo CSI o Dr. House donde la investigación de un determinado caso supuestamente irresoluble es la protagonista. En esta serie digamos que se conjugan un poco de ambas. Quienes hayan estudiado publicidad o comunicación seguramente conocerán a Paul Ekman, quien estudió en detalle los gestos corporales del ser humano y su relación con aquello que dice o deja de decir. Medias sonrisas, cruce de piernas o brazos, arqueo de cejas, etc tienen un significado ya sea de satisfacción o insatisfacción, credulidad o incredulidad, resistencia o aceptación, etc. La serie tiene como protagonista a un experto en este tema, un detector de mentiras humano llamado Cal Lightman, interpretado por Tim Roth (El increíble Hulk, Reservoir dogs, etc); tiene a su cargo un equipo conformado por una psicóloga y socia, Gillian Foster (Kelli Williams), un asistente que ha decidido aplicar la filosofía de la “honestidad brutal” y donde quiera que vaya allí dirá lo que piensa sin tamizados previos y una novata, una “natural”, que despierta tanto la admiración como la envidia de Lightman ya que consigue saber naturalmente lo que a él le ha llevado décadas de puntilloso estudio. Los realizadores de esta nueva serie son los mismos que los de 24 , creada por Samuel Baum (The evidence) y prometieron en principio 13 capítulos en esta primera temporada. Los primeros tres puedo asegurarles que son tan adictivos como Lost, serie a la que ya Lie to me ha superado en audiencia dejando a los productores con una preocupación muy grande. Tiene enganche y no sólo provoca ganas de seguir mirando sino que a medida que vamos aprendiendo a “leer” gestos y posturas, la paranoia de ver quién nos miente y quién no es inevitable; de la misma manera le pasa a nuestro protagonista a quien la vida lo ha abatido con tanta falsedad. No debe ser nada fácil ser un polígrafo viviente.El mismo Roth aseguró: “He aprendido un poco de lo necesario para los episodios pero no quiero saber más. Escribió un libro (Ekman) acerca de porqué mienten los niños, es tentador tenerlo!” En tanto llega el estreno a todas las latitudes, les dejo pinchando aquí, la página oficial que tiene un interesante test para que prueben qué tan bueno son detectando mentiras con sólo leer los gestos. Y un video de la promo.
Asícomo Wag de dog (Mentiras que matan) aunó la figura de Robert De Niro y al director Barry Levinson para satirizar a la política, What just happened? Lo hace para satirizar al mundillo de Hollywood. Un film que está basado en las memorias del productor de cine Art Linson quien readaptó la obra al guión de la película gracias a la sugerencia del propio De Niro. El argumento nos cuenta sobre una semana en la vida de un productor y las cosas con las que debe lidiar en el día a día: un actor que no quiere afeitarse su abundante barba para poder comenzar el rodaje de una película- papel este interpretado por Bruce Willis haciendo de él mismo- o un director al que hay que presionar a que cambie el final de su película (Michael Wincott) para que pueda entrar al festival de Cannes. Todo esto sazonado con una vida personal desarmada, peleada con su profesión. Somos testigos de los malabares de un pobre hombre, modelo del esclavo actual. Cuando uno ve la “correcta” aceptación que tuvo la película uno podría dudar de su calidad. No la han calificado más allá de “buena”, la realidad es que al verla uno no puede más que calificarla como excelente, Hollywood se ha sentido tocado de seguro, imposible no darse cuenta de ello, Cada personaje tiene una singularidad que colabora al manoseo de la obra. Las películas son tratadas y comercializadas como cualquier producto, se las arregla en favor del dinero que se gana o se pierde y en medio, los artistas desesperados, los actores manipulados, las idas y vueltas, las sorpresas y las consecuencias. Algo queda claro en este revuelo: ¡nadie es feliz en un mundo que se vende como el más feliz!. El mismo DeNiro en una entrevista de la revista Crítica digital aseguraba sobre este film: Creo que no sólo no es una exageración, sino que no es nada en comparación con cómo son algunas personas en este ambiente. Hay un montón de gente que está tan loca que decidimos no incluirla en la película porque serían realmente increíbles.
Una comedia negra, de esas que hacen reír y reflexionar, y luego angustiarse. Un film que pone nervioso porque uno siente que en cualquier momento alguien explota y la pantalla se llenará de sangre como el pobre perro que aterra al público en ese pre estreno con el que arranca el film. El título mismo es una genialidad; what just happened? (qué pasó?) nos habla de una vida que pasa inadvertida, que uno lucha por querer aferrar pero las presiones pueden más, el decidir lo correcto cuando tanta plata y “responsabilidades” hay en juego no es fácil. En el camino hay quienes desisten, quienes se enferman, quienes se endurecen y se vuelven monstruos crueles y quienes como nuestro protagonista, se resignan. Imperdible!.
Synecdoche, New York, para la que aún no hay un título estimativo en español (y lo estoy esperando con ansias porque acá en Argentina al menos traducen los títulos de una forma realmente graciosa y gratuita), es una ópera prima de Charlie Kaufman, guionista deQuieres ser John Malcovich o Eterno resplandor de una mente sin retorno entre otras. Por eso para establecer una reseña de este film entonces entenderán que antes debo respirar hondo, entrecruzar mis dedos y hacer sonar mis nudillos y con un café de por medio que me mantenga bien despierta, escribir. La película fue presentada en Cannes donde fue excelentemente recibida por la crítica, en Argentina se cree que podría ser estrenada alrededor de Junio y seguramente contará también con un buen público ya que Eterno resplandor..., por ejemplo, aquí tuvo un éxito considerable. Sin embargo debo anticiparles que no sé dónde terminará esta crítica, por eso como verán no le he puesto evaluación de estrella alguna, puesto que aún no puedo dilucidar si me ha gustado o no. Pero eso: ¿no es fantástico de por sí?, eso significa que la película me ha dejado pensando. Es que Kauffman será como director, y lo predigo, como aquellos al estilo de los Cohen o Tarantino, es decir, esos a los que amas u odias. En una narración totalmente desquiciada, caótica y paranóica se nos cuenta la historia de Caden, un director de teatro cuya vida va en picada y como buen artista vive la vida mezclando la realidad con la ficción sin un camino determinado porque su vida es una continua búsqueda de significados. El propio espectador tiene la angustia de tener que buscar como él significados, caminos de entendimiento sobre lo que está pasando, en el camino (como en la vida de Caden) dan ganas de liberarse, de no seguir... hasta que de pronto llega la revelación. Si están dispuestos a pasar por la tensión, la tediosidad de no entender dónde se está parado, quién es quién, qué es real y qué es ficción, la película los impactará. Al espectador prolijo, que gusta de una narración más bien cronológica y lineal, abstenerse totalmente porque pasarán las peores 2 horas de sus vidas. Muy similar a como se nos contó Quieres ser John Malcovich o Eterno resplandor... con idas y venidas, imágenes repetitivas y diálogos banales mezclados con las acotaciones más profundas, este film marea, perturba y engrandece al mismo tiempo. Ya desde el título que es un juego entre el recurso literario (contar el todo por las partes o viceversa) y Schenectady, situada en New York donde transcurre la historia, se nos explica quizá la esencia de la obra donde la ciudad y el escenario son uno, se mezclan, se definen uno con el otro y nos desubica. La película vale la pena verla como reflexión misma de qué es real y qué no, pero les confieso, disfrutar plenamente de ella lo hice en los últimos 40 minutos entre tanto hubo veces que mi dedo se posó en el ffw!.
Quiero agradecer muy especialmente a Jaime por darme un espacio en su blog para hacer críticas en video todos los Viernes. Por su apoyo y por ser prácticamente un mecenas en este medio todo mi más cálido agradecimiento. No dejen de visitar su sitio que ha estrenado sección de video con unas entrevistas imperdibles.
Honestamente hablando, tenía ya escrita la reseña de esta película tailandesa cuando de pronto dí con una página que me dejó riéndome mucho. En mi vida había leído una crítica tan encantadora, irónica y llena de vida como esta de el rincón de Hermes. Por favor no se la pierdan porque además coincido en su visión de la película. Pinchen sobre la imagen para acceder a la crítica.
Como buena seguidora del animé, aunque no una extrema fanática, enseguida me vi atraída por una película basada obviamente en una serie. La serie consta de apenas 5 episodios que no había visto, pero como me habían asegurado que eso no impediría disfrutar de la película pues allí me mandé. Grave error, mi gente, porque muchas cosas me quedaron en el tintero: personajes que no sabía bien porqué odiaban tanto al protagonista, situaciones del pasado que volvían en flashback, etc. No obstante no fue difícil rearmar cual rompecabezas la historia al menos base del asunto. Esto cabe destacarlo porque siendo apenas 5 episodios no está mal aconsejar entonces que más bien vean antes la serie que la película. El argumento no es gran cosa, se ha visto miles de veces en distintas formas. Afro, un samurai negro que vive en un futuro, según parece, post apocalíptico, ha vengado la muerte de su padre. Ahora en la película debe sufrir el infierno de las muertes que causó en el pasado, entre ellas la de su mejor amigo Jinno, cuya muerte su hermana Sio (Lucy Liu)quiere vengar.
Lo que atrae de la película es la mezcla. Es una melange entre el japón y el far west. Afro, en la voz de Samuel L. Jackson (quien también la produjo), es un negro que carga espada a la cintura y no duda en usarla. Es introspectivo pero observador, atento, pausado pero violento. Un torturado que lleva a cuestas a su conciencia. En este caso esta es un personaje llamado Ninja Ninja, el típico personaje que podría haber sido interpretado por Chris Rock, de hecho pensé que era él hasta que vi los créditos y comprobé que era el mismo Samuel L. Jackson. Los entornos y ambientaciones son tan oscuros como la historia y el personaje mismos. La sangre es lo único que sobresale en esa oscuridad, el rojo parecería ser el color dominante. Es una película de adultos, cabe destacar, donde la violencia no se expresa con eufemismos visuales. Ruedan cabezas, manos, orejas, todo. Dentro de toda esa maraña de peleas y castigos corporales puede uno toparse con unos cuantos símbolos, quizá el más evidente sea el “padre” de Afro llamándole desde la cruz.
La música es esencial en este film; contribuye sobremanera a la integración general que ya visualmente tenemos: no se ve siempre a un samurai peleando al ritmo de un rap. El objetivo de llegarle al público americano, para lo que fue hecha la serie y ahora esta película, cumple seguramente a rajatabla pues las fusiones de entornos, personajes, historia y música son excelentes.
Buscando y buscando finalmente encontré un programa genial para poder guardar una base de datos de las películas que poseemos. Es facilísimo de manejar y además pueden bajarlo totalmente gratis de softonic(pincha aquí para bajarlo), una de las páginas más confiables a la hora de bajar programas. Algunas de las funciones más espectaculares es por ejemplo la de la conexión con IMDB, uno de los sitios más completos en cuanto a base de datos de películas. Entonces basta con poner el título de la película que si IMDB lo tiene completará la mayoría de los datos como director, año de realización, actores, etc. También posee un sistema de star rating, donde puedo calificarla del 0 al 10, también agragarle mis propios comentarios y hasta a quién se la presté y en qué fecha!. Completísimo y de fácil instalación y manejo. Baja y se instala rapidísimo.
Si hay una película argentina que ha quedado en el inconciente colectivo de todos desde el año de su estreno allá por 1985, es "Esperando la carroza". Un film que ha dejado multitud de frases hechas que aplican en distintas situaciones tanto grandes como chicos (Bueeno… pero la tuya es una pobreza….DDDDIGNACHE; CHE CHE NO TE REMONTES QUE NO SOS BARRILETE!!!;Yo hago ravioles, ella hace ravioles. Yo hago puchero, ella hace puchero, ¡Que país!;Yo no soy tía, soy pobre!!!;Me mato, te juro que no pasa de hoy que me mato; si yo no estuviera aqui, juraría que estoy alli;Minusvalida mental!! quien te enseño a dejar el telefono descolgado!!??.; En mi casa no se habla de cosas naturales!; abrite una latita de cualquier cosa... y un millón de frases más). Pues bien, 24 años más tarde Jacobo Langsner nos trae la segunda parte de la mano del director Gabriel Condrón (1 peso 1 dólar). Si bien faltarán algunas presencias como la de China Zorrila, Antonio Gasalla y el fallecido De Gracia, los Musicardi volverán a reunirse para devolvernos como espejo esas pequeñas grandes miserias que nos definen muchas veces (lamentablemente) como argentinos. Porque si hay algo que no podemos negar es la capacidad de Langsner de radiografiar una sociedad en todos sus aspectos de una forma que es imposible no sentirse reflejado.
Esperada aproximadamente para el 2 de Abril, esta segunda parte titulada "Esperando la carroza 2, se acabó la fiesta" nos sitúa en medio de la fiesta de aniversario de Antonio (Luis Brandoni) y su mujer (Betiana Blumm). Fiesta que como bien dice el título también alude a la època, los '90 con el menemismo. Si Antonio era de clase media alta, ahora es rico, un nuevo rico que se codea con empresarios de la carne y políticos. Mezclados con estos personajes de la high society, la familia, esa tan variada como la sociedad misma.
Si bien muchos fanáticos de la primera se resisten a esta segunda parte (y de hecho se dice que Antonio Gasalla rechazó actuar en esta saga por no considerarla atinada con la primera) lo cierto es que habrá que esperar qué se trae esta segunda parte. Siempre dije que las segundas partes no son lo mejor justamente porque cuando se da un éxito como este es difícil conformar ánimos. Pero estoy segura que el autor es un lujo nacional que no nos defraudará. Además los actores no son para desmerecer, creo que Carnaghi reemplazando a Julio De Gracia es realmente una gran elección que es difícil que no nos llegue.
Mientras esperamos entonces, aquí les dejo el único trailer disponible y un sano consejo sobretodo para aquellos que no habiten suelo argentino: vean en lo posible la primera antes que se estrene la segunda porque los personajes tienen una psicología que de no conocerse quizá muchos gags y situaciones queden incomprendidas. Como por ejemplo el pesonaje de Susana, quien ahora lleva años de yoga y terapia ensima... lograrán sacarla de quicio otra vez??. Habrá que esperar.
Este 2 de Abril está previsto el estreno en Argentina de “Déjame entrar” (Låt den rätte komma in),película Sueca que si bien es catalogada dentro del cine de Terror, al menos yo la consideraría un verdadero drama. Lejos de plantear una atmósfera de miedo y tener como objetivo el causar espanto, Tomas Alfredson nos muestra la historia de Oskar y Eli, dos niños torturados por la soledad, la marginalidad de sus pares y la agresión del mundo. Eli por su condición no humana, Oskar por su condición meramente de niño. Como si la moraleja más profunda de todas fuese que un vampiro no es más terrorífico que el mundo mismo. Una realidad donde existen los hogares quebrados, el desamor, el abuso y la violencia termina siendo más horrorosa que la existencia de una pobre niña que no sabe más que de sangre porque el único dulce que ha intentado probar, o la única regla que ha intentado romper ( la de entrar a una casa sin invitación del dueño) casi le causan la muerte. El film basado en la novela de John Ajvide Lindqvist (2004) nos cuenta sobre el lado oscuro del ser humano, las incongruencias de una especie amenazada desde tiempos inmemorables y del amor, el amor que puede despertarse dentro de las situaciones más ilógicas. Las “almas gemelas” no se eligen, se encuentran. El título parece venir de una canción de Morrissey titulada “Let the Right One Slip In” en la cual podemos escuchar: I’d say you were within your rights to bite/The right one and say, ‘What kept you so long?’ ” (Diría que estabas en tu derecho de morder/ al correcto y te digo/ por qué te tardaste?). Las actuaciones de ambos niños realmente deslumbran, sobretodo la del pequeño Oskar (Kare Hedebrant) quien posee un rostro de esos difícil de decidirse si es angelical o diabólico. Lina Leandersson (Eli) no se queda atrás mostrando de continuo una expresión de tristeza, seriedad y desconsuelo que realmente inspira de todo menos miedo. Si bien es un film que ha recibido infinidad de premios entre ellos de la Florida Film Critics y la Boston Society of film critics, cabe destacar que para los amantes del género quizá esta película esté muy lejos de ser la mejor de los últimos 10 años como fue descripta por varios críticos. Es una película intimista, lenta, con pocos toques típicos del terror y con un argumento más digno del drama. Eso sí, sería bueno que se vea esta versión antes que la planeada para el 2010 en manos de Matt Reeves (Cloverfield, La otra cara del crimen)
Si bien tenía pensado postear otro film antes que este; aun cuando tardé casi una eternidad en decidirme a ver esta película; habiendo siempre juzgado a Mickey Rourke un pésimo actor, hito del hombre sexy en los tempranos 90, desfigurado por tanto estiramiento y botox en este nuevo siglo: debo confesar que estoy sorprendida. Randy 'The Ram' Robinson me ha cacheteado como a uno más de sus oponentes, me ha dejado sin aliento y encantada con un actor que pudo resurgir de las cenizas del olvido sin más que recurrir a la calidad. No me extrañaría que halla ahondado muy dentro para darle vida a un personaje que debe de tener sin dudas grandes similitudes con su propia existencia. Esta no es otra que una historia muchas veces contada, la de muchos crack del deporte que han visto la gloria y se resisten a envejecer en el olvido. No se habla de otra cosa que de un rumbo perdido, de una vida de excesos y de la fidelidad con la propia naturaleza. Nadie en toda la cinematografía que he visto en los últimos años me ha hecho sentir en carne propia la tortura de sobrevivir trabajando de lo que no se es. A pesar de todos los premios que ha ganado como mejor actor, entre ellos el Globo de oro y el BAFTA Film Award (algo así como el globo de oro británico), ahora me arrepiento de haberle puesto mi voto a un Penn que por más trayectoria que tenga realmente queda hecho un garbanzo al lado de este Rourke tierno y sensible hasta cuando pelea. Darren Aronofsky, el director, supo mostrar una historia casi como un documental patético de una ex estrella. Hay dos escenas que quedarán grabadas a fuego en mi cabeza y que lo cuentan todo: la primera es en esa mesa de la Legión extranjera cuando Randy recorre con sus ojos los puestos de un puñado triste de hombres tan tristes y olvidados como él. La segunda cuando recorre ese larguísimo pasillo del cambiador hasta su puesto de trabajo en ese mega mercado ACME y antes de cruzar la puerta hacia el mostrador respira hondo y escucha al público aclamarlo como si subiera al ring. Esa es sin duda una pelea mayor, la de trabajar de lo que hay, de lo que se puede y aun así hacerlo con la mejor sonrisa: eso es lo que lo hace querible. Para resumir un argumento irresumible quizá basten las palabras del propio personaje hacia su público en una de las luchas más emblemáticas: “Sólo quiero decirles a todos esta noche que estoy muy agradecido de estar aquí.. Un montón de personas me dijeron que no lucharía de nuevo y sin embargo es todo lo que hago. Saben, si viven la vida duramente y juegan duro y queman la vela por ambas puntas, pagan el precio. Saben que en esta vida pueden perder todo lo que aman, todos quienes los aman. Ahora no escucho tan bien como solía y me olvido de cosas y no soy tan bonito como solía serlo pero maldición!, aún estoy parado aquí y soy “el carnero”. A medida que pasa el tiempo, cuando pasa el tiempo dicen – está acabado, es historia, es un perdedor, ya pasó- Saben qué?, los únicos que pueden decirme cuándo estoy acabado haciendo lo mío, son ustedes, gente!”. Por último quisiera destacar (bueno, habría tanto que quisiera destacar pero ocuparía mucho!) es la página oficial de la película que de todas las que he visitado quizá no sea la más estética de todas pero ciertamente es la mejor diseñada en cuanto a contenido. Más información que en esta no he encontrado en otras. Pueden visitarla pinchando sobre la imagen.
Para aquellos que realmente conocen el cine coreano o asiático en general, saben que sus directores están dando mucho que hablar y que paulatinamente se están insertando en el mercado internacional dando aire fresco a aquello que todos acostumbramos consumir: Hollywood.En esta oportunidad llegué casi de casualidad a un film de Jeon Ji-hyun, Sur Corea, que nos brinda en Shupeomaen-ieotteon Sanai (El hombre que fue superman) una verdadera obra paralela al quijotesco hombre de la mancha pero moderno.
Su Jeong (Jeon Ji-Hyun), es una joven documentalista bastante inconforme con la vida que lleva, solitaria y malhumorada, llena de pesimismo acerca del mundo en general. A punto de viajar a África para realizar un trabajo, se cruza en su camino un hombre que dice ser superman (Hwang Jung Min) y comienza entonces a filmar sus acciones: ayudar a cruzar la calle a escolares y viejecitas, evitar contaminación ambiental, proteger pequeños en desgracia, etc. Indagando en su historia esta mujer dará con el pasado de un ser que ha sufrido y quien en la forma del super héroe se ha evadido de la realidad, pero la cosa es: ¿cuál es la realidad?, ¿lo que dice realmente son locuras?, ¿cuál de las realidades es mejor?Es un film que gracias a la popularidad de sus protagonistas en su tierra natal, y aquí realmente destaco la excelentísima actuación de Hwang Jung Min, ganó fama y tuvo críticas a favor y en contra. Yo les cuento que me pareció una película que de seguro deja marca y que para entenderla hay que ponerse en la piel de un testigo más de la vida de este personaje porque así son las emociones que provoca: comicidad al conocerlo, ternura al compartir sus acciones, querencia de su frescura y bondad y más tarde dolor por su historia y desenlace. Porque les advierto, comenzando como una comedia su tono va subiendo hasta convertirse en un verdadero drama lacrimógeno que difícilmente deje impávido al que lo mira. Eso sí, las escenas finales quizá son demasiado efectistas para mi gusto, es decir, podrían haber mantenido fidelidad con lo que es el cine coreano y no el cine americano, pero a su vez si lo pensamos es una forma de último tributo a ese cine que en definitiva nos puso en contacto con los super héroes. Está muy bien contada, con ese juego cómplice entre lo real y lo fantástico, donde cada cosa tiene una explicación sin caer en la facilidad de querer inducirnos a la duda sobre si es o no un superhéroe con poderes como fue el caso de Hombre mirando al sudeste o k-pax.
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