Nos despedimos de este 2009 con algunos trailers interesantes, o no, de los próximos films que este 2010 podrán verse. Sin recurrir a aquellos que ya sabemos se esperan con ansias- Alice in Wonderland y un largo etc- estos son algunas películas de las que seguramente hablaremos bien o mal a partir de.... mañana!!
¡¡Muy Feliz Fin de Año, coman y beban con moderación!!!
Junto a Vane de Cinecrítico de Vane nos hemos puesto al seguimiento de los Globos de oro. Acá el primer artículo sobre uno de los films que cuenta con 3 nominaciones: Mejor dirección, Mejor actor y Mejor actor secundario. Así mismo sepan disculpar si lectores de ambos blogs puedan encontrarse con algún artículo, como este, doblemente publicado. Aprovecho para agradecer a Vane su colaboración e idea de hacer esto en conjunto!.
Declarada como la favorita en la próxima entrega de la Academia y nominado, Clint Eastwood, su director, en la categoría de mejor dirección en los próximos Globos de oro, Invictus ciertamente cuenta con un apoyo considerable en su promoción.
Basada en el libro de John Carlin "Playing the enemy: Nelson Mandela and the game that made a Nation" la historia nos pasea por los primeros años de gobierno de "Madiba" focalizado en cómo resurgiendo el Rugby como deporte nacional construyó la idea de unión en un pueblo años y años dividido por el Apartheid. Un deporte que por décadas constituyó el símbolo de un régimen de discriminación y abuso y que además estaba nétamente constituído por hombres blancos, salvo por un sólo hombre de color. Ciertamente una muestra genial de cómo una especie de diplomacia alternativa pudo cambiar las cosas. Motivación, idea de nación y la figura de un hombre, Mandela, que a pesar de sus tantísmos años de cárcel supo contagiar, o al menos lo intentó, su resiliencia a toda una nación alimentada por el resentimiento y el odio. El término "invictus" viene dado del latín cuyo significado es invencible y que se corresponde al título de un poema de 1875 de William E. Henley que se dice Mandela repite de cuando en cuando.
Un equipo, una nación. No es una idea descabellada que el film se centre en esta idea de construir y fortalecer un equipo para a su vez, construir y fortalecer una nación. Si bien el mismo Morgan Freeman, a quien Mandela decretó como el único actor posible para personificarlo, quería producir más bien una película biográfica basada en el libro "Un largo camino a la libertad" del propio Mandela, fue conciente de que sería improbable adaptar semejante material a la pantalla, y optaron entonces por el libro de Carlin quien se focalizaba en contar un aspecto importante de la vida de Mandela.
Eastwood solapado
Viendo films de Eastwood nadie puede dudar de dos cosas: que es un excelente director y que es americano. Sus historias son narradas con momentos lúcidos, fuertes, sólidos y salpicados- cómo dudarlo- de un sentimiento altamente nacional, Eastwood despliega, aunque magistralmente, muchas de las cosas que siempre le podemos machacar al cine del Norte, aun cuando es capaz de meas culpas y autocríticas, como por ejemplo hemos saboreado en Gran Torino. Pero esta vuelta, Eastwood nos impone 2 horas y cuarto de un derroche exagerado de escenas altamente americanizadas aun cuando la historia se centre en el pueblo sudafricano. Frases forzadas que envuelven la figura de Mandela en un hiperbólico halo de carisma innecesario. Morgan Freeman, nominado como mejor actor para los Globos de oro así como Matt Damon en la categoría de mejor actor de reparto no lucen su conocido histrionismo y pasan escena tras escena correctamente y sin pretenciones. En este aspecto no podría creer que Mr. Damon fuese elegido por sobre Mr. Waltz. No obstante es un film digno, correcto, un pequeño desencanto en la filmografía de Eastwood pero con un montón de elementos "oscarizables".
En un artículo anterior habíamos hablado de lo que era la Performance Capture. Hoy vamos a acercarnos a la técnica de la rotoscopía que no es otra cosa que su antecesora. Básicamente se trata de una forma de animación donde previamente grabada una cinta se dibuja sobre ella fotograma por fotograma. El rotoscopio, que hoy ya no existe pues se cuenta con la tecnología del ordenador, fue inventado por Max Fleischer allá por 1912. Más tarde la usarían para animaciones populares como Popeye y Betty Boop en los inicios de la década del '30 puesto que esta técnica aportaba más naturalidad y soltura a las animaciones. Por esto fue bastante criticada su utilización por muchos que aseguraban que era una técnica apta para ineptos dibujantes que necesitaban de un modelo para diseñar las escenas.
Ciertamente con Disney, el rotoscopiado fue una de las herramientas mejor utilizadas y valoradas cuando por primera vez fue implementada por este estudio en Blancanieves y los siete enanitos para animar la figura del Príncipe Charmming. Hoy en día el rotoscopio-como dijimos- ha sido reemplazado prácticamente por los sensores y la pantalla azul o verde para la captura de los movimientos de los actores que posteriormente son editados por computadora; pero lo atractivo de esta técnica viene-digamos- reinventada por aquellos como Richard Linklater que con films como Walking Life(2001) o Scanner Darkly (2006), implementan el rotoscopiado para darle a la película una estética de comic inimaginable. Con sus líneas temblorosas y sus colores entre llamativos y saturados podemos ver a un Keanu Reeves como un personaje entre animé y comic que ciertamente manifiesta un nuevo empleo para esta cansadora (como el mismo director atestigua) técnica que conlleva horas y horas de acabado a pesar de todos los softwares que existen a la mano.
Aquí el trailer para ver las imagenes en movimiento... ¿ reconocen a todos los actores?
Después de ser anunciada durante largo tiempo por TELEFE, finalmente Todos contra juan- sí en minúscula- fue emitida por el canal América los Martes por la noche. En mi caso particular después de esperarla tanto fue una terrible vuelta de tuerca porque no me enteré de ese cambio sino hasta después del 3º o 4º capítulo cuando todos me preguntaban si la veía. Lamentablemente mi precaria antena no llegaba a agarrar la señal de América asique no fue sino hasta este año gracias al canal video que la serie tiene en MySpace que me pude sacar las ganas. Hoy simplemente les presento la serie con su temática y sus personajes a modo de introducción a esta espectacular serie de apenas 13 capítulos que felizmente este año, tras pedidos constantes de los seguidores, tendrá finalmente su segunda temporada-según dicen- esta vez sí por TELEFE a partir de Marzo.
La idea:
Basada en la serie Británica "Extras" y producida por Rosstoc y Farfán producciones para la Fox Television Studios, Todos contra juan está escrita por Gabriel Nesci, quien también la dirije junto a Gastón Pauls- su protagonista- en la Dirección integral. Según contaba Nesci a La Nación con motivo ya de su culminación: "La idea la tuve hace varios años. El universo del actor me parece fascinante, y siempre me pregunté cómo era esto de que gente que gracias a un ciclo de TV se convierte en una deidad por 15 minutos y que después, si toma las decisiones correctas sigue y si no... Me pareció interesante contar la historia de un actor así"
Justamente la historia ronda la figura de Juan Perugia, un actor que- como el mismo Gastón Pauls aunque salvando las diferencias- pegó un exitazo en décadas pasadas con una serie para adolescentes. Paco, su personaje, era la figura casi central del ciclo cuya frase muletilla: "ahora me lo venís a decir?" era repetida por cuanto seguidor tenía la serie. Hoy, 15 años después, Juan da clases de teatro a niños en un taller de barrio y trata como puede de reinsertarse en el difícil mundo del espectáculo. Lo cual gracias a su peculiar personalidad no le será nada fácil. Además de poseer un guión fresco, emotivo e hilarante, Todos contra juan cuenta con la participación especial en cada capítulo de algún actor o actriz haciendo de sí mismo; todos los cuales poseen alguna característica peculiar que hacen del mundo actoral un verdadero deleite para el espectador: una Julieta Diaz que se afana de tener una agenda ocupada por su pronta película junto a Robert De Niro, un Antonio Grimau pirómano, Un Guillermo Guido que roba canciones a terceros o un sensacional Roberto Carnaghi que usa frases rebuscadas e inentendibles."...el único famoso que no hizo de sí mismo fue Gastón. Todos los demás debían interpretarse a sí mismos, a una versión de sí mismos. Es su vida, pero a cada uno le busqué un detalle que no coincide con la realidad pero que tal vez pertenezca a otro actor conocido". Filmado a modo de falso documental intercalado con imágenes de la vida del protagonista la historia se nos presenta dinámica y con alguna pizca al mejor estilo Seinfeld donde el humor pasa por lo cotidiano llevado al extremo de lo ridículo."La idea era volver borrosa la línea que divide la ficción de la realidad. Para eso nos sirvieron los invitados y la serie La vida es un juego, que mucha gente se pregunta si realmente existió", explica Nesci. "Es que Pauls fue parte del mundo de los programas juveniles de los que el ciclo se burla y al mismo tiempo recuerda con cariño. Así, la diferencia entre lo que fue y lo que pudo haber sido queda aún más fuera de foco".
Los personajes prncipales:
Juan Perugia (Gastón Pauls): Vive con sus padres a pesar de sus 35 años. De contextura enconrvada, arrogante, anclado en su pasado de fama y por lo tanto inmaduro. Donde va repite sin cesar su famosa frase de presentación. Selectivo a la hora de encarar un proyecto actoral, termina siempre arruinando cualquier oportunidad de resurgir. Está cansado de que confundan su personaje con Lucho (Pablo Rago en Clave de sol, ciclo real de la década del '90).
Tony Forcelli (Sebastián DeCaro): Amigo incondicional de Juan, posee un local de merchandising cinematográfico de colección al que está tan apegado que nunca deja cerrar ninguna venta. Sagaz y observador, todo lo compara con algún film, sobretodo La Guerra de las Galaxias, su favorita. Es el que más quiere ver triunfar a Juan y el que más consejos le aporta a su carrera.
Luz Aguilera (Mercedes Oviedo): Amiga de Juan, fotógrafa de modas que sueña con tener una exposición artística propia. De novia hace 9 años. Es la "luz" de Juan, su inspiración. Su amor hacia ella es silencioso pues la siente inalcanzable y teme perderla de revelarle su verdad. Es la única que ve en Juan el verdadero niño que es y lo quiere como tal.
Guillermo (Alfredo Castellani): Representante de Juan. Hombre desmemoriado e inútil cuyo único cliente es el pobre Juan. No es capaz de conseguirle papeles importantes y no cuenta con contactos en el medio. Es el personaje sabroso de la tira, el más hilarante. Su "profesión" de representante es secundaria, su realidad es la de un buscavidas.
Otros personajes importantes:
Henny Trailez, mamá de Juan, una mujer que haría hasta lo imposible por verlo brillar. Sobreprotectora a más no poder, ve en Juan al adolescente que fue. Oscar Nuñez, padre de Juan, trabaja de gastronómico y repudia la vida que lleva su hijo. Serio y reprochón vive llevándole la contra. Ezequiel Campa, novio de Luz y miembro de una asociación de lucha pro ambiental. Es egocéntrico y preocupado sólo en su carrera. Típico novio aburrido. Ricky Aiello, alumno de Juan en el taller de teatro. Maduro para su edad es el que pone en evidencia a Juan todo el tiempo sobre su pasado y su presente.
Les dejo para que disfruten el primer episodio de la tira.
Flint ha soñado con ser inventor desde muy pequeño, como todo gran inventor es un incomprendido y su único aliciente es una madre orgullosa que lo insta a seguir y seguir. Vive en una isla que produce sardinas pero que con los avatares de las vacas flacas termina sumida en el hartazgo de comerse su propia producción. Entonces Flint, gracias a la casualidad o torpeza de siempre, logra dar con una máquina que hace llover comida. Inmediatamente se convierte en el ídolo popular. El argumento tiene lo que no puede faltar en ninguna cinta de este tipo: gran colorido, personajes carismáticos y divertidos -destaco los personajes de Earl con la voz del nada más y nada menos que Mister T. y el padre del protagonista, un cejudo hombre con la voz de James Caan- acción y romance. Un film que funciona sin dudas porque aunque por momentos repetitiva y predecible, divierte sobremanera y encanta con sus ambientaciones originales de dulces y salados a pedido. Una película evidentemente llamativa para el público infantil, pues lo que tiene de bueno es que cualquier cosa puede pasar tanto en la fantasía de un niño como en este film: el sueño de que llueva helado o hamburguesas, ¿no es irresistible?. La película está dualmente dirigida por Phil Lord y Chris Miller, este último ya nos deleitó con Shrek 3 y esta vuelta, si bien no tan ingeniosa como aquella, nos divierten pulcramente y nos ofrecen lo que es, un film para nada pretencioso ni estridente, acorde con los elementos que uno puede exigir a la hora de plantarse frente a un film de animación. Un film, este, que se sustenta mayormente y más que nunca con escenas hilarantes y realmente divertidas, como el Gobernador engordando tanto que se verá en la necesidad de moverse en una silla de ruedas mecánica, un padre chapado a la antigua que no entiende de tecnología o la típica mascota del inventor que destila gracia. Para toda la familia, con momentos memorables y otros no tanto.
El próximo Domingo 17 de Enero del ya flamante 2010 los anteriormente ganadores Jennifer Aniston, Mickey Rourke y Julia Roberts serán los encargados de presentar la 67º entrega anual de los Golden Globes, o globos de oro en criollo. Mientras, sabemos ya que el show estará en manos de Ricky Gervais, y que el premio Cecil B. DeMille, que este año será para Martin Scorsese, estará a cargo de dos grandes como Robert De Niro y Leonardo DiCaprio.
Recordamos que el Cecil B. DeMille, es un premio especial que se otorgó por primera vez al actor que le dio nombre al premio. La selección está basada en alguna persona del espectáculo que haya tenido gran impacto en el mundo del entretenimiento. Alguno de los nombres que han recibido esta distinción son Alfred Hitchcock, Lucille Ball, Sidney Poitie, Judy Garland y Sophia Loren entre otros.
Aunque el honor de publicar la entrada número 50 de este genial blog debería recaer en su madre y creadora, Pabela, me adelanto y os dejo con la tercera entrega de este especial de escenas sin cortes. Hoy os quiero hablar de un hombre, el que , sin duda alguna, es el mejor adaptador de las obras de Shakespeare a la gran pantalla en la historia del cine, Kenneth Branagh.
Branagh es un gran actor, excelente guionista y sublime director. Al ser actor-director es un gran director de actores, es por eso que nos encontramos en su Hamlet a uno de los mejores repartos de la historia. Además de a Shakespeare, Branagh a abordado otros temas e historias en sus películas, pero me voy a ceñir a las ya mencionadas por ser las que más nos interesan en este blog.
Tres películas, sus tres mejores adaptaciones (de Shakespeare), y las mejores adaptaciones que nadie ha hecho nunca de estás tres obras: Henry V, Much Ado About Nothing y Hamlet.
Antes de nada, ved las películas, os recomiendo las tres.
Henry V, cuenta la historia del joven rey inglés, Enrique V, y como influenciado por el clero decide invadir Francia para reclamar tierras que considera legítimas. Por esta película, Branagh estuvo nominado al Oscar como Mejor Director y Actor. La escena a la que quiero hacer mención es después de la encarnizada batalla de Agincourt, en la que los ingleses, superados ampliamente en número vencen a las tropas francesas. El rey marcha junto a sus hombres a través del campo de batalla entonando el "Non nobis Domine". Todo forma parte de una toma de casi 4 minutos en las que Branagh muestra soberbiamente el resultado del combate y el estado en que han quedado ambos ejércitos. Escena, en mi opinión, mucho más clara y brutal que las de Braveheart cuando Wallace o Bruce pasan por el cambo de batalla. P.D.:¿Quién es el niño que lleva al hombro Branagh? je, je, je!
Much Ado About Nothing, es una comedia romántica, situada en la Toscana, en una preciosa villa en la que Leonato, su propietario, recibe a Don Pedro de Aragón y a sus más fieles hombres, para descansar después de salir victoriosos de una batalla. Con el transcurso de los días, una serie de enamoramientos y malentendidos dará vida y jugo a la que es, sin duda alguna, una de las mejores obras de Shakespeare y mi comedia romántica favorita. La película estuvo nominada al Globo de Oro como mejor comedia/musical. La que os presento a continuación, es sin duda alguna la escena sin cortes más complicada y perfecta de Branagh. Los protagonistas salen de un patio, pasan por un pasillo lleno de gente y sale al jardín principal. Los movimientos de cámara, la coreografía del reparto ,la preciosa puesta en escena que quita el hipo, todo ello entonando el precioso "Sigh No More". Es la escena final y como tal, cierra a la perfección la película. Perdonad la calidad del vídeo, si alguien encuentra uno mejor que avise!
Y Hamlet. Que puedo decir de una de las mejores obras de la historia. Nunca, nunca se ha escrito una un relato que aborde más temas de modo tan brillante y sagaz. Todo el mundo debería leerla, os lo digo en serio, menos jaleo El Quijote y más Hamlet. En fin, Hamlet, príncipe danés, planea asesinar a su tio Claudio, después de saber que este ha matado a su hermano Hamlet, padre del primer Hamlet, usurpando así la corona y a la reina. Es esta, sin lugar a dudas, la gran obra maestra de Branagh, con el mejor reparto que un director podría haber contado, con un gran presupuesto y con la posibilidad de rodar el libreto entero. Aunque la versión que llegó a los cines se redujo a un par de horas, cargándose partes del 1, 2 y 3 acto, posteriormente salió una versión integra de 4 horas con toda la obra. Por esta película, Branagh estuvo nominado al Oscar por su adaptación de la obra, siendo aclamada unanimamente por la crítica y el público. La escena que que os presento en este caso no es el famoso "To be or not To be" demasiado visto aunque rodada con gran soltura en este film, no. La escena que he elegido es la cuarta escena del 4 acto, en la que Hamlet marcha junto a Rosencratz y Guildenstern por una llanura danesa y se encuentra con un Capitán Noruego. Branagh apuesta en esta escena por un retroceso lento pero constante de la cámara mediante pronuncia su monólogo, acabando por un increíble postal de toda la llanura con el en medio:
Aunque esta escena tiene varios cortes, no querría desaprovechar esta oportunidad sin mostraros otra gran escena de Henry V, con la que cierro este post.
Un saludo, Felices Fiestas y comentad que os han parecido en su conjunto las escenas.
Como cierre del año, un año maravilloso para mí por haber conocido gente fantástica en este mundo blogero, va el último video del año. Gracias a Jaime por este espacio y a todos por estar! Los invito a que nos cuenten cuáles son sus 5 mejores films!!!. Un abrazo y que tengan unas hermosísimas fiestas a pesar-al menos aquí en Buenos Aires- de esta mañana de lluvia!!!.
Si bien muchos de los que navegan frenéticamente por Youtube lo conocerán, otros nos enteramos un poco más tarde gracias a facebook y sus incontables grupos!. Aquí un nuevo video aportado por Lee Unkrich ...
Siempre recuerdo con vehemencia la primera clase de Literatura Infanto-Juvenil en la que el profesor nos aclaraba que en realidad no existía- o no debería existir- esa categoría o definición. Lo que existen son lectores ideales que pueden ser niños, jóvenes o adultos al cual el artista intenta hablar .Por eso de entrada afirmo que en las pocas líneas que consta el relato de Maurice Sendack uno entiende con qué maestría supo reflejar no sólo el mundo infantil con sus miedos y fantasías, sino llevar al adulto que leía el relato a una comprensión más profunda de lo difícil que es crecer, convivir y encajar en el mundo adulto siendo niños y que los niños en definitiva no viven en una burbuja, ellos también padecen los miedos y frustraciones, las culpas y exabruptos que muchas veces nos reservamos sólo para nosotros incomprendiéndolas en los más chicos. Todo lo cual parecieramos olvidar cuando crecemos. Y considerando que llevar un texto literario al cine es realmente más difícil aun, es todavía mucho más sorprendente cómo Spike Jonze y Dave Eggers escribieron un guión (con constantes consultas a Sendak) que terminó por completar aún más magníficamente ese relato.Porque el argumento no es otro que el de un niño con mucha imaginación que un día hace enojar a su madre y en plena discusión-bastante violenta por cierto- termina huyendo de casa y después de "vagar por bosques y mares" llega a la tierra de estos monstruos tan encantadores como temidos. Regodeo de psicólogos y pedagogos, este film es uno de los más simbólicos que he visto este año, auténtica alegoría de un sinfín de temas como el enfrentamiento con nuestro monstruo interior- como dice el poster, "todos llevamos uno dentro"- las inadaptaciones sociales, las soledades, la amistad, el amor, la familia, los modelos, los celos. Es que nada, nada queda sin contemplarse en este mini universo de Max, un niño interpretado por Max Records, al que todos no alaban en vano, gran actor está ganando la industria con este pequeño demonio
_Eres el dueño de este mundo!.-
En esta época de pleno 3D, digitalizaciones y otras yerbas, sigo insistiendo que el hecho que Jonze haya apelado a utilizar marionetas en este film y que siga siendo efectiva, es más que notable. El haber convocado a la Jim Henson Company, la misma de la genial Laberinto o los Muppets no es para nada gratuito.Da esa atmósfera de nostalgia que muchos de los que pasamos los 30 vamos a apreciar más que ninguno. El mismo Jonze se cansó de defender este proyecto al que todo el mundo quería llevar a la animación, y lo aplaudo más que nunca. Le dio además un toque que para mí- apreciación totalmente personal- me sonó a ochentoso donde era más creíble seguramente encontrar niños que se refugiaran en su imaginación para evadirse y no detrás de un teclado o Joystick como los niños de ahora. Estos montruos son semblanza del los famosos amigos invisibles!. ¿Conocen algún niño que ahora tenga uno?. Pura armoniosidad entre fondo y forma, con Donde viven los monstruos se disfruta con todos los sentidos, con los seis!, porque así como la música es sensacional (gracias a Karen O.) y la fotografía inquietante- y digo inquietante porque hasta los contraluces enamoran tanto como perturban- lo emotivo no falta y no hablo del lloriqueo sentimental sino de la verdadera identificación con Max y cada uno de sus alter egos en su camino... redentor(¿?).
-La felicidad no es siempre el mejor camino para ser feliz-
Muchos le han criticado muchas cosas a este film: que es emocionalmente manipulador, que queda bien parado desde lo visual, que con tanta tecnología a la mano es un desacierto la estética que usa, que el argumento es simplón!. Yo no prejuzgo a quienes este film no les haya gustado, ciertamente hay público para todo, quizá no los entienda como muchos no entenderán cómo padecí Moon!, pero sí les recomiendo verla. Verla sabiendo que serán inmersos en un film contemplativo, psicológico, un drama. Pero a la vez, si bien no es un film "infantil", y si bien tiene sus escenas de tono virulento, no está mal dejar que los chicos la vean. Mi hija- ya saben mi gran compañera cinematográfica a veces y testeadora- quedó encantada al verla, siempre con las explicaciones pertinentes tras estar subtitulada, claro, y para prevenir algún susto en las actitudes de estos monstruos tan temibles como adorables.
Desde que tengo uso de razón me gustan los dibujos animados y por ende la animación. Puedo estar a días de pisar los 38 años pero, mi Dios, cuando estoy ante la pantalla viendo una película animada soy tan pretenciosa como una criatura.Es decir, no soy exigente desde lo adulto, sería ridículo, exijo la misma cuota de fantasía y locura que me divierta y me haga reir como la mayoría del público infantil; aunque la moraleja sea siempre la misma. Por eso cuando supe que estrenarían Planet 51, con Joe Stillman en el guión y anunciada además como una de las megaproducciones españolas, no lo dudé un instante. Pero Planet 51 no es Shrek, ni se le acerca. Tiene una estética espectacular, eso no puede dudarse pero si hay algo de lo que carece es originalidad. Es como si hubieran agarrado ET, lo batieran un poquito y listo. El guión se traiciona a sí mismo cuando quieren darnos a entender que esta vez el alien, el invasor,es el propio hombre. ¿Pero el invasor de qué?,¿de un mundo donde existen los autos, las mascotas que orinan contra los postes y gruñen al cartero aun cuando luzca como un mini octavo pasajero?, ¿que existan costumbres familiares tan domingueras como una barbacoa?,¿ un mundo con ambientación americana años '50?. Ay! nooo, déjenme con la princesa cuyo "happy ending" es transformarse en ogro, con los globlos capaces de remontar una casa por las nubes, de unos juguetes que cobran vida cuando nadie los ve, de un niño que tiene como ángel de la guarda un gato y una estrella propia que le han robado o tres ancianitas que en bicicleta recorren millas y solo se expresan cantando (para que no digan que pienso sólo en la animación americana). El argumento de Planet 51 es trillado por donde se lo mire, no causa gracia y termina hundiendo en el aburrimiento. Suelo testear la animación con las reacciones de mi hija, porque no se puede negar que cuando uno crece por ahí se pone exquisito y lo que no funciona para uno puede funcionar para otros, sobretodo siendo ese otro el supuesto target. Mi hija la palmó a mitad del film y creo que duró bastante.
Que los 60 millones que dicen costó el film están desde lo visual bien gastados no puede discutirse, pero desde la originalidad es un verdadero fiasco, si hasta los pequeños habitantes parecen parientes cercanos de Shrek. Y después de todo ¿cómo llegamos al 4?, pues porque rescato ese colorido impecable, y porque a la larga uno termina planteandose lo que quizá, quiero creer, quería demostrar esta opera prima de Blancoy Abad: que a la larga no hay por qué temer, podríamos no ser tan diferentes.
Click sobre las imágenes para ver los trailers, abajo tienen los horarios de las multisalas. Esta semana creo que paso con estos cuatro estrenos, aunque Coppola es Coppola!.
"Creo que el arte debe generar preguntas y no afrecer respuestas, las cuales siempre me parecieron dudosas, por no decir peligrosas". Michale Haneke.
Después de ver un film como La cinta blanca del austríaco Michael Haneke no cabe la menor duda que: se merecía la Palma de Oro y cuantos premios queden por venir y de que Haneke puede entrar resueltamente en los top five de directores. Sin ánimos de exagerar, hablar de un film como este es casi imposible, se dificulta justamente porque como reza el epígrafe Haneke nos atrapa en una narración novelesca- se cansó de aclarar que el guión es original y no basado en una novela- que cosecha preguntas todo el tiempo, que está tan bien ambientada en esas impecables tomas en blanco y negro que el misterio, la rigidez, la tensión, la claustrofobia no nos deja quitar un segundo los ojos de la pantalla y nos mueve el cerebro constantemente sobre qué pasa, por qué pasa y cómo sucede. Imágenes impecables que sin necesidad del golpe bajo ni la insanía de la violencia explícita provoca más que cualquier otro perturbador recurso.
Blanco que te quiero blanco.
Una voz en off, perteneciente al maestro de escuela, nos cuenta los misteriosos hallazgos de personajes- en su mayoría niños- víctimas de castigos extremos. El misterio de cuáles son esas manos responsables de semejantes actos es el misterio que ronda a los habitantes, misterio cuya revelación se nos dará aludida en pequeños pero profundos diálogos, encubiertos en expresiones sagaces y acertadas, en actos aludidos con imágenes esbozadas pero a la vez puntuales. Es que finalmente llegamos a la clave del asunto, ese representado por la cinta blanca símbolo de la inocencia, de la pureza, de la nobleza de espíritu: ¿existe realmente el ser humano puro, noble e inocente?.
"Si inculcamos el principio de lo ideal, ya sea político o religioso, al estado de lo absoluto, se transforma en inhumano y nos lleva al terrorismo.(...) El film no es solo sobre el facismo lo cual sería una interpretación demasiado simplista desde que la historia transcurre en Alemania, sino sobre el modelo definitivo y universal del problema de los ideales corrompidos".
Haneke no deja de aprovechar el tema de cuán posible es la violencia en el ser humano, no deja de preguntarse qué la genera y porqué; y en La cinta blanca, creo-humildemente- que lo hace con una de sus mejores tesis cinematográficas. Aunque destaco, claro, ser una neófita aun de sus obras.
Cuando el cine es obra de arte.
Sin seguir indagando en los múltiples significados y alusiones del film para no tentarme en contar lo que arruinaría su visionado, quiero centrarme en la hechura general del film. Su ambientación del tardío siglo XIX y principios del XX es portentoso; no podría haberse filmado a color, sinceramente no. Es un recurso que nos coloca en el centro de la memoria, en la lejanía del documento testimonial de una época pasada y que como tal nos es narrada, no vivenciada; pero no por ello resulta fría y distante. Haneke se pasó meses y meses investigando la época y las costumbres que están fantásticamente planteadas en la película. Todos y cada uno de los hábitos, rutinas y costumbres de aquellas décadas están retratadas con pulcritud y hasta diría exactitud. Trabajo que siguió en una meticulosa y detallada post-producción digital para quitar cualquier elemento que nos inste a pensar en una semejanza con la actual. El reparto, sobretodo de niños y aldeanos lo introdujo en un casting de más de 7000 infantes y en el recorrido de países como Rumania para dar con el aspecto físico y los rasgos típicos de aquel entonces, todo lo cual puede percibirse claramente en los personajes por ejemplo de Anna (Roxane Duran) y Martin (Leonard Proxauf), quizá los niños más sufridos de la historia. Un trabajo de dirección maravilloso que no deja en sombras a ninguno, sean estos profesionales o novatos.Christian Berger, director de fotografía y Anja Müller, en la dirección de arte son dos nombres que nunca se me van a olvidar. Sus labores hacen casi obligatorio una nominación al Oscar, mínimo. No creo haber visto este año una película tan magnífica en su realización. Tantas ovaciones de la que fue objeto y a las que tememos cuando visionamos un film que de inflado puede desilusionarnos, acá es pura razón de ser!.
Basado en el Best seller(?) homónimo de Paulo Cohelo y dirigida por la todavía ignota Emily Young, Veronika decide morir es uno de esos films de origen americano pero de exibición europea y asiática. En su tierra natal la esperan más bien el próximo año y por supuesto contó este pasado Agosto con un estreno especial en varios cines brasileros donde su recepción fue bastante exitosa. El argumento se centra en Veronika, una mujer de unos 28 años que parece tenerlo todo: buen trabajo, soltura económica e independencia, sin embargo su constante vacío existencial la lleva a querer suicidarse infructuosamente y despierta no sólo en un psiquiátrico sino además con una severa lesión cardiovascular que la llevará tarde o temprano irremediablemente hacia la tan esperada muerte. Sus días de internación, su relación con otros pacientes y en especial con Marie y Edward poco a poco harán que su percepción de la vida cambien por completo. No leí la obra original- muchos critican obviamente las omisiones que el film hace de la historia madre- pero puedo decir que este film pasará a mi lista de "indefiniciones" , aun no podría decir si me gustó o no. Tiene muchos aciertos y muchos sinsabores, esos que nos dejan con ganas de más profundidad. Con momentos intensos, de grandes silencios, de primerísimos primeros planos y movimientos de cámara que a veces aportan a la atmósfera y otras perturba el visionado. El primer gran acierto de la película parecería ser ante todo una Sara Michelle Gellar (Buffy) bastante sólida en el personaje de Verónika y Marisa Leo en la piel de Marie, una mujer atormentada por la pérdida de su trabajo y su posterior separación matrimonial, único lazo posible entre Edward y el mundo de afuera. Actuaciones nada brillantes pero sí destacables que le dan a Verónika decide morir un pilar importante para un film ante todo correcto. Destaca también David Thewlis ( nuestro Lupin del mago) como el director de la institución, un hombre aparentemente tan vacío existencialmente como muchos de sus pacientes. Mientras, Johnathan Tucker interpretando a Edward, un joven que no habla y sin embargo se convertirá en la clave de salvación de Verónika (y de él mismo claro) se mueve a veces con soltura y otras con aires de estereotipo. Algo que de por sí ocurre con varias instancias del film dentro de lo que es el mundo del Psiquiátrico. Sin grandes pretenciones para la banda de sonido, la película hace uso de ella en las partes claves y necesarias, lo cual la hace efectiva; porque ante todo Young prefiere hacer uso constante de los silencios y miradas que del estrépito musical para provocar las emociones del espectador. Un film recomendable por sus pocos diálogos llamativos y profundos, por sus instancias más fuertes y por ser seguramente una historia que encantará a muchos y desilusionará a otros. Film que se aprecia mejor con segundos visionados a pesar de sus flaquezas.
Otra vez tarde pero seguro! los estrenos de esta semana, que siendo Domingo más de uno ya sabrá cuáles son, vienen variados. Pido disculpas por esta tardía información!!
