"La ley de Herodes", es una película dirigida por Luis Estrada, que vio la luz en 1999 y está ubicada en el tiempo a finales de los años ´40 del siglo XX. Esta cinta es tan actual, sincera y cruda que se le ponen a uno los pelos de punta al mirarla, porque a pesar que su temática trata sobre el México del siglo pasado, perfectamente puede extrapolarse todo ese drama a El Salvador de este año de 2011, con las variantes del caso.

La película tiene un poco de comedia, un poco de erotismo, un poco de drama... todos los ingredientes que debe tener una buena película.

La corrupción de los políticos y su completa insensibilidad hacia los problemas reales de la sociedad es reflejada de una manera tan cercana, con diálogos muy acertados y un argumento muy bien hecho.

La historia empieza cuando un alcalde (presidente municipal) de un pequeñísimo pueblito, perdido en medio de la nada, comete un asesinato y se roba el dinero de las arcas públicas; pero en su huida es atrapado y decapitado por una trifulca de los habitantes del pueblito. Para sustituirlo, mandan a un viejo miembro del partido político PRI, que trabaja administrando un basurero y que al ser nombrado alcalde, se llena de felicidad y orgullo. Lo interesante es que al principio él trata de comportarse éticamente; pero muy pronto, al contacto con la dueña de un prostíbulo, con el sacerdote católico y otros, va cediendo rápidamente a sus sobornos, la famosa "mordida".

La ridiculez de los discursos políticos, sus intrigas y sus ansias de poder están tan bien presentadas que ya a uno no le queda duda que encontrar un político honrado será como encontrar rosas en elmar, como decía una vieja canción.

No les contaré por supuesto el final; pero les diré que la música y la fotografía son muy buenas y que después de verla no quedarán decepcionados. Me gusta mucho también el ritmo de la película. Además creo que la dirección de arte está muy acertada. Las actuaciones son definitivamente excelentes y el largometraje cuenta con un elenco de lujo, entre ellos Damián Alcázar, Pedro Armendáriz hijo, Guillermo Gil, Isela Vega y Leticia Huijara, entre otros.Es una verdadera obra de arte que todo latinoamericano debería ver. "La ley de Herodes: o te chingas o te jodes".

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Tin Tin no es lo que uno pueda decir una animación o cómic muy conocido en latino américa. Creado por el belga Georges Remi (Hergé) por allá de 1930, su distribución en américa no fue muy extensa. Sin embargo, es claro que existen fans, puesto que la película de la que hoy hablamos tiene detrás de la pantalla a gente de la talla de Steven Spielberg, Peter Jackson y Edgar Wright (y si alguien no los conoce, corra a ver más películas).

En fin, que por esos mismos nombres, uno escucha a Steven Spielberg intentando dirigir algo relacionado con el motion capture y debería huir -¿O es que no recuerdan la malísima Expreso Polar con Tom Hanks?- y no por la historia, sino por lo inverosímil de los personajes, sin expresión en la mirada y con una animación mal aprovechada. Pero si ahora le añadimos el mágico toque de Peter Jackson, acompañado por Andy Serkis, maestros consumados de ésta técnica, olviden cualquier falla. Estamos ante la inminente ganadora del Oscar a mejor película de animación, a menos que Chico y Rita de producción española - y que aun debo ver- se cuele y le arrebate la estatuilla; por que es claro que ni Cars 2 ni Rango (aunque con un poco más de chances), son mejores que esta puesta.

La película arranca con un evidente homenaje a las caricaturas de las épocas del cineasta, y avanzando lentamente, como a tientas, nos mete de lleno en la trama, de imprevisto; cuando uno menos se lo espera, ya está viajando por el mar en busca del Unicornio, o sus réplicas, mítico barco que sir Francis Haddock heredó a sus tres hijos con el mensaje oculto para encontrar un tesoro. Y se vienen barcos piratas, persecuciones, planes malévolos y demás ingredientes para pasar poco más de 1 hora y 45 minutos entretenido. Los personajes no son precisamente entrañables, pero ojo con Milú, el perro de Tin Tin, que más de una vez roba cámara aunque esté en segundo plano. El capitán Haddock se lleva también unas cuantas palmas y aunque por ahí hay una subtrama innecesaria, nada hay que le impida superar con facilidad las otras propuestas animadas.

Se nota la mano de Jackson desde el principio. Hay tomas en las que si uno no estuviera consciente de que la película es animada, juraría que son actores de carne y hueso los que participan en las escenas. El realismo es increíble, y la cámara es ágil, entendiendo que es totalmente ficción y animación y que puede colarse donde quiera y como quiera. No hay límites. El 3D quizá no sea tan espectacular, pero cumple. Y por ello es que ya hay luz verde a una secuela (claro, Hollywood siempre tiene un as bajo la manga, como el capitán Haddock), y será dirigida enteramente por Jackson. Habrá que esperar. Por lo pronto, la película cumple muy bien con lo planeado y es un perfecto platillo para los niños y los no tan niños. Cuando les llegue a su país, no duden en verla.

Por cierto, como posdata, hay sistema de calificaciones. El mío será sobre 5 estrellas, así que acá está

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Quizá por las fiestas que nos dejan económicamente pelados, por las vacaciones de muchos que ya enfilan para zonas costeras en su mayoría, lo cierto es que esta semana hay solo dos estrenos para ver. Por lo demás siempre nos queda un Arteplex o un Gaumont para ver algo más. Asique después de un breve parate con respecto a la publicación de estrenos, acá van los de hoy gracias a la siempre buena info de todas las críticas.

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Desde la soledad del silencio hasta la sorpresa del sonido, desde la austeridad del blanco y negro hasta la magnificencia del color, desde Hollywood hasta Bollywood, desde los Lumiere hasta nuestros días, el cine ha embelesado, enamorado, apasionado. Hoy a 116 años de su nacimiento oficial en París- al menos como entretenimiento- y a 40 años del mío, no podía dejar pasar una noticia, nada sorprendente claro, pero sí resonante: el adiós al celuloide.

En enero del 2012 la proyección digital será el principal método utilizado para los estrenos en salas. Las grandes cadenas de cine de los EE.UU dejarán de utilizar los famosos 35 mm de impresiones en celuloide para finales del 2013 y en Europa se terminarán de reemplazar para el 2014 según reporta una investigación de mercado llevada a cabo por la IHS Screen Digest.

Apenas dos años atrás, según cuenta the telegraph, las proyecciones digitales eran usadas en tan solo un 15 % de las pantallas mundiales. La revolución de la era digital se asentaría entonces en el éxito de uno de los films más osados en 2009: Avatar de James Cameron. Este film que marcó un boom sin precedentes en recaudación, obligó a muchas salas a actualizarse para una adecuada proyección. Como resultado de esto y del excesivo precio de la plata (necesaria para la elaboración del material) se espera que los films en 35 mm decrezcan paulatinamente hasta su total desaparición.

Con una punta de años compitiendo entre sí tanto Technicolor como Deluxe aseguraron estar trabajando en conjunto para adaptarse a las nuevas exigencias del mercado; y si bien muchos son los directores que ya han tomado la era digital con alegría, otros seguramente dirán adiós con nostalgia. El propio Steven Spieldberg asegura:

Mi paso favorito entre la imaginación y la imagen final será esa franja de fotoquímica que uno puede sostener, doblar, mirar con el ojo desnudo y proyectar en una superficie para que otros la vean. Hoy, sus días están contados, pero me mantendré leal a ese arte analógico hasta que el último laboratorio cierre sus puertas.

Si hasta se me pianta un lagrimón de leer sus palabras, pero lo cierto es que el abaratamiento de costos supone una mejor realización y, supongamos, una mejor distribución de los films. Ya lo dice don Keanu Reeves cuando explica que la diferencia radica ya desde el set de filmación. Unos 1000 pies de rollo duran apenas unos 9 minutos y medio y su relativo digital unos 90 lo cual reduce esa presión del director a gritar "corten" para guardar las escenas.

Voy a extrañar entrar a un set donde se utilice cintas de celuloide. Tiene algo mágico. Cuando el director dice "acción" y el rollo comienza a girar es como si algo se pusiera en juego

Es evidente cuánto la tecnología ha cambiado y cuánto a influído esto tanto en técnicas narrativas como visuales, pero lo cierto es que mientras el cine viva, mientras haya nostálgicos, siempre habrá quienes recreen los aspectos visuales de un 35 mm o de un super 8. Mientras nosotros seguiremos esperando nuevas historias, nuevas imágenes que impacten, nuevas formas de vivir otras vidas sumidos en las pantallas. Todo hasta que llegue la posibilidad- no tan lejana vamos- de poder calzarnos un casco, unos anteojos, un par de cables en la frente y "entrar" a un mundo de ficción... y hasta participar de él.

Asique feliz cumple celuloide y adiós.

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Dos parejas neoyorkinas deciden reunirse luego de que sus pequeños hijos discuten y llegan a las manos, pero las cosas se complican y se salen de control.

Carnage fue dirigida por el polaco Roman Polanski (Chinatown, El pianista), quien se basó en la obra teatral homónima de Yasmina Reza.
Christoph Waltz (Bastardos sin gloria) y Kate Winslet (El lector) interpretan a los padres de Zachary, quien sería el presunto golpeador, y John C Reilly (Criminal) y Jodie Foster (Anna y el rey) a los progenitores de Ethan, el niño agredido; ambas parejas, casi cuarentonas, pertenecen a una clase acomodada, pero luego de unos minutos de charla, cuando salen a relucir sus opuestos puntos de vista, no podrán ocultar tanto sus miserias económicas como personales.

La película transcurre enteramente en una habitación, espacio que se vuelve claustrofóbico a medida que avanza el relato y que lleva a relacionarla con Tape de Richard Linklater. Para sostener la atención, la historia cuenta con pequeños elementos que se van volviendo centrales: un hamster, una tarta de manzana y pera, un florero con tulipanes, un teléfono celular, una cartera.

Carnage podría traducirse como matanza o carnicería, pero si se piensa en el título original de la obra teatral: Le dieu du carnage (algo así como el dios de la masacre) puede entenderse un poco más a qué apunta la cinta; quizás, no sólo a esa masacre (verbal y algo física) que llevan a cabo los dos matrimonios sino a aquella que enfrentan especialmente, y a diario, los miembros de la pequeña burguesía; esa masacre que apunta a "caretear", a querer ser el dios de los buenos modales, de tenerla clara en la vida y de vivir en lo superficial. En el film, a pesar de esta mirada ácida, hay espacio para el humor pero el marcado aire de las tablas a veces resta credibilidad a lo que se venía consiguiendo.

Algo muy interesante es la importancia que se da a la correcta utilización de las palabras, decir que un niño estaba armado con un palo no es lo mismo que que decir que llevaba uno, como tampoco lo es llamarlo cavernícola sólo por que siguió sus instintos y no los pudo contener.
El compositor francés Alexandre Desplat (El discurso del rey, El Árbol de la vida), quien ya había colaborado con Polanski en El escritor oculto, es el resposable de la banda sonora.
Aunque la cinta esta situada en Brooklyn, Nueva York, se rodó en París debido al problema legal del director, que le impide ingresar a los Estados Unidos.

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9.5/10

Esta extraordinaria co-producción entre Rumania, Bélgica, Italia y Francia, y que vio la luz en el año 2009, fue dirigida por Radu Mihaileanu. El largometraje empieza cuando AndreyFilipov (interpretado por el actorAleksey Guskov), quien se encargaba de la limpieza del teatro Bolshói (Moscú,Rusia), se entera casualmente, a través de un fax, que desde Francia están invitando a la orquesta Sinfónica del Bolshói, para hacer una presentación.

Filipov, aunque trabaja, como ya dije, en la limpieza, es en realidad un prestigioso director de orquesta que fue degradado durante una época en que se perseguía a los judíos; él se negó a sacar a los judíos que había en su orquesta y el régimen autoritario lo castigó con la humillación, prohibiéndole volver a dirigir. La trama de la película se centra precisamente en ese concierto que deberá realizarse en París. Este evento desata, de una manera inesperada, la esperanza de Filipov y de sus amigos músicos.

Es importante entender la presión política a la que están sometidos Filipov y sus amigos músicos. Y una manera que usaron los guionistas para entender esto es a través del trabajo de la esposa de Filipov, quien vive de conseguir multitudes, organizar gentes en papeles de extras, ya sea en manifestaciones a favor del régimen político (o para la boda de algún mafioso),con el objetivo de dar la impresión de que el evento que se esté realizando es muy concurrido y es todo un éxito, con lo cual se nos expone una cara no muy bonita de la sociedad de Rusia.

Pero volviendo a la historia medular, Filipov entusiasmado, poseído por una fiebre que sólo puede curar la música, organiza una orquesta con sus viejos amigos y decide hacerse pasar, a escondidas por su puesto, por el Bolshói y sustituirlo en su presentación en París.

Me gustó mucho la manera en que abordó la ilusión del director Filipov, es decir, la de volver a dirigir, el detener bajo su batuta a todos sus músicos e interpretar a Tchaikovsky. Filipov tiene una obsesión, pero de tipo artística, con el músico ruso Tchaikovsky, y éste es un punto importante de la trama y también del desenlace de esta película. Por supuesto que no les voy a contar la historia de la película; pero sí les diré que los amantes de la música que decidan verla, no quedarán decepcionados. Y a los que no aman tanto la música, pero sí las historias con buen argumento,salpicadas de buen humor y con un final intenso, les diré que esta es una cinta que no querrán perderse.

El final, mientras toca la orquesta en París, con la violinista estrella Anne Marie Jacquet (interpretada por la actriz francesa Mélanie Laurent), en medio del ímpetu de la música, se entregan al espectador los últimos detalles con que se cierra la historia. Me gustó mucho la manera en que el director contó el final, no sólo por las reveladoras palabras, sino por la imágenes que en ningún momento se debilitan. Es un final casi orgásmico, por su ardor artístico, pero también por la dicotomía de por lo trágico y lo reivindicativo que se mezcla en las últimas tomas.

Por cierto, el guión fue escrito por Radu Mihaileanu y Alain Michel Blanc.

Para terminar, quiero decir que esta película es totalmente recomendable y la puedo describir con una sola palabra: maravillosa.

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7.5/10

Si dijera que “Confessions” me parece una buena película, no estaría mintiendo. Si dijera que he disfrutado con ella, quizá estaría exagerando un poco. Si dijera que me gusta, entonces estaría incurriendo en el pecado de la falsedad.

Explicar por qué me parece una buena película es fácil. La realización y dirección, en mi modesto entender, me parecen impecables. Las localizaciones, tanto interiores como exteriores, unidas a una hermosa y cuidadísima fotografía, también. Y las interpretaciones, algunas impresionantes por la edad de los actores, a la altura de un guión original y muy bien organizado.

Así pues, ¿por qué estoy diciendo que no me ha gustado? También es fácil de decir, pero al contrario que lo puesto en el párrafo anterior, me ha costado mucho darme cuenta. Y es que resulta muy difícil admitir que a uno no termina de convencerle algo que es objetivamente bueno.

Durante los primeros veinte o treinta minutos de película, cuando se nos pone en situación de la sufrida profesora que ha perdido a su única hija de manos de algunos alumnos, uno se va haciendo un montón de preguntas. ¿Por qué la mataron? ¿Fue un accidente? ¿Por qué la profesora está contando lo sucedido a sus alumnos? ¿Busca venganza o sólo un escarmiento?

Conforme el film avanza y, he de admitir, con mucha maestría, se van desvelando algunos misterios a través de cada uno de los personajes principales, poco a poco, dejando que el espectador vaya descubriendo en cada confesión qué fue lo que sucedió, y dándole todas las claves de una trama donde cada cual tiene una parte de verdad que sólo puede ser entendida dentro del conjunto. Aquí el guión realiza muy bien la labor de hacer pensar al espectador si, en su día a día, no tendrá también una visión parcial de la verdad, que sólo puede ser entendida junto a visiones ajenas. Se comprenden los motivos, aunque no se justifiquen. Se entienden los comportamientos, a veces crueles y llenos de resentimiento, aunque uno, cómodamente sentado en el sillón, y ajeno a esa vivencia, no pueda más que desaprobar.




Entonces... ¿dónde está lo malo?

Antes hablé de los interrogantes que se plantean al comienzo de la película, pues hay uno que siempre ha de hacerse cuando acaba cualquier film: ¿qué me han querido transmitir? Y el que yo me hago, después de ver “Confessions”, es ¿he de sacar de aquí la importancia del valor de la vida, de lo inútil de la venganza o, que en el fondo, nunca aprendemos? ¿Todos? ¿Ninguno? No lo sé.

A pesar de los esfuerzos de la profesora de hacer entender el respeto por la vida humana a sus problemáticos alumnos, la película se resuelve, a mi entender, un poco ambigua. A diferencia de mi compañero Ángel, para quien el mensaje final está muy claro, a mí no ha llegado con tanta nitidez las intenciones del director o guionista (o de los dos). Y una obra sin mensaje pierde parte de su valor.

Por lo tanto, si recomiendo ver “Confessions”, digo sí.
Pero si tengo que augurar al futuro espectador si le va a gustar, digo no lo sé.

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8/10

Confessions es un (inesperado) regalo de cumpleaños. No hablo en sentido figurado o retórico, sino en el estrictamente literal; un buen amigo decidió este año sorprenderme regalándome este film japonés que a él tanto le había gustado. Con la única referencia del rostro ensimismado de la protagonista ocupando gran parte de la carátula y desprovisto de cualquier expectativa previa que condicionase mi opinión, introduje el DVD en el reproductor y me dispuse a ver la película.

Dirigida por Tetsuya Nakashima, la cinta comienza con la confesión de Yuko Moriguchi, profesora de instituto y madre soltera, que anuncia a sus alumnos que su hija pequeña fue recientemente asesinada por dos estudiantes de ese mismo aula. A modo de venganza, también advierte que ha inyectado sangre de su exmarido infectada con el virus del SIDA en los cartones de leche que los chicos habían bebido antes del inicio de la clase.

Esta impactante escena inicial sirve de desencadenante para una historia que toma a partir de ese momento la estructura de capítulos independientes narrados en primera persona por cada uno de los personajes clave de la trama.

Este formato episódico y la posibilidad de entrar directamente en la cabeza de los personajes son las armas de las que se sirve la película para, a través continuos saltos en el tiempo, ir hilvanando y desvelando poco a poco todas las piezas de una historia mucho más compleja y desgarradora de lo que pudiera parecer a simple vista.

Confessions es por tanto una suerte de respuesta japonesa a la clásica historia de venganza. Y la referencia a la patria nipona no es en absoluto casual, pues estoy convencido de que esta obra no habría funcionado del mismo modo en otro país. Además de ser un thriller dramático espléndidamente planteado, y sin querer destripar nada del argumento, el film saca a relucir las vergüenzas de una sociedad de apariencias completamente deshumanizada que calla y esconde sus vergüenzas, capaz de las mayores atrocidades como única respuesta al fracaso.

Efectivamente, esos mismos rasgos están presentes en la misma cultura occidental, pero el tratamiento de la moralidad, el comportamiento y la conducta son radicalmente diferentes.

La fantástica dirección, fotografía, montaje y aspecto técnico en general del film suplen las carencias de un reparto desequilibrado que en líneas generales puede decirse que está a la altura de las circunstancias, sin brillar. Eso sí, para su próximo trabajo le pido al señor Nakashima que no abuse tanto de la cámara lenta, un recurso estilístico presente durante todo el metraje y que, por desmedido, acaba resultando involuntariamente cómico.

A pesar de haber ganado los más distinguidos premios en su país natal y haberse postulado como representante nipona para la gala de los Oscars en 2010, no haber pasado el corte de la preselección de la Academia de Hollywood impidió al film alcanzar la trascendencia internacional que sin duda merece. Por ello, aprovecho esta humilde tribuna para reivindicar, descubrir y recomendar Confessions por vuestro cumpleaños a todos los lectores de la Cinerata, pues incluso a quienes no les guste, estoy convencido de que no les dejará indiferente.


Sobre Confession ella dice...

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Los zombies son fascinantes. Al igual que los vampiros, hombres lobo, magos y demás criaturas fantásticas. Pero entre libros y películas, son realmente muy pocas las series de TV que han tenido éxito al hacerle justicia a estos personajes.

The walking dead es una apuesta arriesgada de NBC por adaptar un cómic que desde el 2003 en EU se publica, y que va por su número 90. El temor de muchos, cuando se anunció la serie, era que, al ser temática de muertos vivientes, no se respetara la violencia gráfica siempre presente en el cómic. Pero vamos, aún si el cómic no tuviera violencia gráfica, son zombies, muertos vivientes. ¿Cómo podrías presentar a un zombie en pantalla si no es con vísceras a flor de piel, decapitados, balazos y demás?

La primera temporada se estrenó en 2010. La ventaja es que uno de los creadores del cómic, Frank Darabont, se convirtió en su productor ejecutivo (y escritor), por lo que desde el primer capítulo respetan la esencia del cómic; y mejor aún que eso, es la libertad que el mismo Darabont se toma para con la historia, pues si bien sigue los eventos realizados en el cómic, ha manejado más elementos y situaciones que no aparecen en éste, pero siempre para mantener el suspenso y el drama reflejados en cada episodio.

Son sólo 6 episodios los que conforman a la primer temporada, como una especie de piloto para ver la reacción del público. Pero desde el primer capítulo se convirtió en un parteaguas de la tv y se dio luz verde para una segunda temporada (actualmente en curso). Lo que es magnífico en la serie es, aparte de la fidelidad ya mencionada, la grandísima actuación de todos los personajes, haciendo sentir el miedo, la desesperación, el drama y el sufrimiento en cada mirada, en cada gesto. La fotografía es espectacular y ya no digamos los efectos especiales, dignos de una producción de cine caro. Eso sí, aquellos que sean sensibles a la sangre, mejor ni se acerquen. Podría recomendarles la serie por la tensión que manejan, pero no pasan ni 20 minutos en el capítulo cuando hay muertos vivientes que necesitan un buen balazo en la cabeza para quedarse muertos.

Es un mensaje introspectivo para los espectadores: ¿qué es lo que somos? ¿En qué nos convertimos cuando nos vemos empujados ante situaciones límites? ¿Realmente pondríamos al prójimo antes que a nosotros mismos? ¿Realmente somos tan diferentes de esos seres que nos causan repugnancia? Una serie, a la que le podría poner fácilmente una calificación de 10, por todo lo que logra: realismo, tensión, drama, nervio y reflexión. Imperdible para los seguidores de la ciencia ficción y para quienes gustan de un buen drama. Eso si, absténgase si cada vez que ven sangre vomitan.

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¿Qué es el fenómeno Glee? ¿Por qué se convirtió en una serie tan popular?

Seamos honestos, hacía mucho tiempo que no existía una buena serie de comedia musical en la TV. Al menos, a mi corta edad (21) no recuerdo alguna tan buena. Si, lo sé, muchos la odian, otros tantos la amamos, pero nadie se queda exento de ello. No por nada ganó dos globos de oro a la mejor serie comedia o musical (2010 y 2011)

Pero revisemos la primera temporada. Todo empieza con el sueño del maestro de español, Will Schuester (interpretado por Matthew Morrison) de formar un club de coro, del cual el fue parte en sus épocas de estudiante. El coro es formado por muy pocos estudiantes (al principio solo 5) los cuáles son catalogados como "raros" o inadaptados por el resto de la escuela. Es así que, de ser un club de canto, se convierte en un reto para el profesor enseñarles a quererse a sí mismos, a superar sus defectos y a resaltar sus virtudes. Ahí tenemos a una chica afroamericana (no sea que me vayan a demandar por decir "negra"), una asiática, un chico en silla de ruedas, un chico afeminado y una chica poco agraciada pero subida de tono. Posteriormente se han de añadir algunos chicos del equipo de football, y unas chicas porristas (cuyas intenciones al principio no son las mejores), que forman un grupo totalmente variado que comienza por odiarse y termina unido en una larga travesía.

La música presente va desde iconos del pasado como The Beatles, Tina Turner o Lionel Richie; hasta iconos de la actualidad como Lady Gaga, Avril Lavigne o Rihanna, sin dejar de lado a clásicos como Queen, Aerosmith o Madonna y hasta musicales -Wicked, Les Mis o Dreamgirls-. Así que por variedad nadie se queja. La única, de algunos, son las composiciones (o descomposiciones), pero no se preocupen, que les traigo un top 10 de las mejores interpretaciones, pero ese lo dejamos al final.


En una muy buena temporada, compuesta por 22 capítulos, atravesamos la formación del grupo, su aceptación unos a otros, su participación en la competencia sectorial y en la regional, en donde obviamente, no ganan. ¿Que atractivo tendría la serie si en su primer año ganaran todo? No sería nada realista, y ese es el verdadero atractivo de la serie.

Vamos, recordemos un poco nuestra etapa de secundaria o de preparatoria, donde de algún modo, siempre existían las divisiones en grupos: los nerds, los populares, los atléticos, etc.; si alguno tuvo la fortuna de contar con clubes como las escuelas americanas, entenderá aún más esta división. Y entonces, nos presentan a los alumnos como chicos inseguros, con debilidades, con problemas, sueños, anhelos, talentos, defectos, y todos los adjetivos posibles por enmarcar. La serie maneja muchos detalles -desde el uso de drogas (aunque esto sutilmente mediante la ingesta de anfetaminas), pasando por la sexualidad y la paternidad, el noviazgo, las amistades, la discriminación, y ¿por qué no? el crush con los maestros (o entre maestros), la envidia, el odio, el perdón, la admiración, y hasta secretos dignos de una telenovela. Si a esto le agregamos que, conforme se explican todas estas situaciones se extraen canciones cual programa de radio de "dedica una canción", estamos todos contentos. Ahí está el realismo. No es algo inalcanzable, como terminar unidos por el destino, nacer popular y morir popular, o ser guapo y ser feliz. Es lo que en algún momento todos llegamos a pensar. Y uno podrá identificarse desde un principio con Mercedes, Kurt, Rachel, Tina, Artie, Finn, Noah, Santana, Quinn, Brittany (quien se lleva los momentos cómicos de la serie) y Mike, pero todos los pensamientos han pasado más de alguna vez por la cabeza.

Así que, por espectáculo y drama no se pueden quejar. Esta serie lo tiene todo. Una idea genial desarrollada por Ryan Murphy, Brad Falchuk e Ian Brennan. Es así como tenemos una excelente producción, una primer temporada inolvidable, genial, llena de momentos emotivos e hilarantes que dan para disfrutar solos o en familia. Una excelente recomendación en cuanto a series.

Y como lo prometido es deuda, les dejo el top 10 de interpretaciones de esta primera temporada, su intérprete original, el intérprete dentro de la serie, y el capítulo donde aparecen. No me hago responsable si no concuerdan con mi opinión, pero es basada en interpretación y coreografía, no en base a mis gustos musicales.


10. Vogue (Madonna) - Sue Sylvester, Kurt Hummel y Mercedes Jones -- Cap. 15: The Power of Madonna
9. Defying Gravity (musical Wicked)- Kurt Hummel y Rachel Berry -- Cap. 9:Wheels
8. I Dreamed A Dream (Musical Les Mis) - Rachel Berry y Shelby Corcoran -- Cap. 19: Dream On
7. Somebody To Love (Queen) - New Directions -- Cap 5: The Rodes Not Taken
6. It´s My Life / Confessions (Bon Jovi/Usher) - New Directions -- Cap. 6: Vitamin D
5. Alone (Heart) - Will Schuester y April Rhodes -- Cap. 5: The Rodes Not Taken
4. Bohemian Rhapsody (Queen) - Vocal Adrenaline -- Cap. 22: Journey To Regionals
3. Like A Virgin (Madonna) - Rachel, Jesse, Emma, Will, Finn, Santana -- Cap. 15: The Power of Madonna
2. Bad Romance (Lady Gaga) - New Directions -- Cap. 20 Theatricality
1. Dream On (Aerosmith) - Wills Schuester y Bryan Ryan -- Cap. 19: Dream On

Saludos!

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Fernando Trueba me capturó positivamente con su documental sobre jazz latino "Calle 54", un verdadero festín para los que amamos la combinación de música y cine, combinación que siempre se ha dado, es cierto, pero que es mejor si la actriz principal de la película es la música.

Este largometraje, que vio la luz en el año 2000, es en verdad una verdadera delicia para aquellos que adoramos la música y es también muy educativo con respecto a conocer el origen del jazz latino y enfrentarnos con algunos de sus mejores estilos y exponentes. El jazz hecho por los músicos de origen latino, entre españoles, cubanos, brasileños, puertorriqueños, venezolanos, argentinos y dominicanos (principales actores de este documental), siempre ha tenido ese sabor propio del trópico o del calor humano propio del latino, con sus diferencias, por supuesto. Todo ese ritmo ha sido arrancado de África para fundirlo con la armonía occidental.

Empieza Fernando Trueba diciendo:

A principios de los '80, un amigo me regaló un disco que complicó mi vida: me convertí en un adicto al jazz latino”.

Y a partir de ahí, la música tocada por verdaderos genios y prodigiosos lo envuelve a uno en una atmósfera única, en la que no niego que derramé un par de lágrimas de la emoción mientras escuchaba. Es inevitable desconectarse de esa avalancha de corcheas, blancas, negras y semicorcheas, flotando como ángeles y demonios sobre nuestros oídos. Como dijo Roque Dalton: “Nada me hace llorar sino el amor”; yo digo, plagiando a Dalton (o mejor dicho, parafraseando, para que no se oiga tan mal): «Nada me hace llorar sino la música y el amor.»

Muchos y grandiosos músicos participan es este documental, pero Trueba se centra, principalmente, en orden de aparición, en el cubano Paquito D' Rivera, la brasileña Eliane Elías, el español Chano Domínguez, los puertorriqueños Jerry y Andy González, el dominicano Michel Camilo, el argentino Gato Barbieri, el puertorriqueño Tito Puente, el cubano Chucho Valdés, el cubano Arturo “Chico” O'Farril, los cubanos Bebo Valdés e Israel “Cachao” López, pasando por un ensamble de percusión y bajo (con una pareja de baile incluido), entre los que destacan Carlos “Patato” Valdés y Orlando “Puntilla” Ríos, finalizando con el dúo de padre e hijo: Bebo y Chucho tocando dos pianos; cierra el documental con una descarga del grupo de Jerry González mientras van saliendo los créditos de todos los músicos participantes .

A Horacio “El Negro” Hernández, quien toca en este documental en la big band de Chico O'Farril y en el trío de Michel Camilo, tuve la oportunidad de escucharlo en vivo, en San Salvador, hace ya algunos años, en una venta de instrumentos musicales que está cerca de La Campana; fue una experiencia espectacular; me pareció que Hernández era un extraterrestre de la batería que tocaba un ritmo diferente al mismo tiempo con cada una de sus cuatro extremidades.

He aquí, pues, a continuación una probadita de este maravilloso tesoro del cine y la música. Escucharemos y veremos “Panamericana”, la composición interpretada y dirigida por Paquito D' Rivera, con la cual inicia este documental.

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Manuel Sorto, editando.

El cine salvadoreño, aunque ya tiene más de un siglo de existencia, ha tenido una producción bastante baja en cantidad, si lo comparamos con el cine que se hace en otras latitudes; sin embargo ha habido esfuerzos muy meritorios y de buena calidad.

Este día me gustaría mostrarles la película LA ZONA INTERTIDAL, realizada en 1980 por el Taller de los Vagos.

El tema medular de esta película es cómo la libertad de expresión en El Salvador estaba reprimida y todo aquel que osara contradecir al gobierno de turno o exigir justicia, era asesinado. El profesor (personaje principal del corto, personificado por Manuel Sorto) que aparece muerto en la playa es un símbolo de todas las víctimas fatales que ocurrieron en eso días tan convulsos, días tan violentos que desembocaron a principios de 1980 en la guerra civil que dejó más de 80,000 muertos.

Hay que ubicarnos en el tiempo y en el espacio y entender que hacer cine, con la temática de esta película, en aquellos días de agitación social en El Salvador, con los escuadrones de la muerte asesinando a todo sospechoso de ser de izquierda, era, pues, una tarea casi heroica.

Es interesante que toda la trama es contada a través de imágenes y de música, y eso es algo muy notable de tomar en cuenta a la hora de evaluar este corto; creo de verdad que ese es un punto a favor de él.

En el blog MÁS ALLÁ DE LOS 400 CERROS, mi esposa Érika y yo entrevistamos a Manuel Sorto sobre este cortometraje. He aquí un fragmento en donde él habla sobre esta película:

«Érika y Óscar: En Cine Apolo, programa que pasan en el Canal 10 de televisión, vimos unos de tus primeros trabajos cinematográficos. ¿Qué cosas recordás de esa película?»

«Manuel Sorto: Te refieres a La Zona Intertidal, la única película de ficción que realizamos Guillermo Escalón y yo. Fue producida por El Taller de los Vagos. El tema es el asesinato político. El asesinato de un profesor, como tantos que fueron asesinados a fines de los setentas por los escuadrones de la muerte. Lo importante era lograr filmarla sin que hubiera problemas, ya que teníamos que viajar con el equipo hasta la playa.»

Con estas palabras finales pronunciadas por Manuel Sorto, los dejo, pues, con el cortometraje LA ZONA INTERTIDAL.

Zona Intertidal from filmotecamupi on Vimeo.

Fotografía e idea original de Guillermos Escalón. Edición y actuación principal de Manuel Sorto. Asistentes: Marie Nöelle Fontan y Lyn Sorto. Actuaciones especiales de Jorge Cañénguez (el estudiante), Aparicio (niño en la playa). Dirección: colectivos. (Los demás créditos tan importantes, como los de la música, podrán verlos ustedes mismos al mirar la película).

La versión que vemos aquí es gracias a un esfuerzo de digitalización por parte del Museo de la Palabra y la Imagen de El Salvador.

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Una de las más maravillosas películas que he tenido la oportunidad de ver ha sido «El violín rojo», una obra cinematográfica de 1998 del canadiense-francés François Girard.

La historia toda gira en torno a un violín fabricado por el italiano Nicolo Busotti; su esposa está embarazada y él piensa darle el instrumento musical a su futuro hijo. La mujer de Busotti consulta con una pitonisa que lee las cartas y que le revela un destino fatal: la mujer muere en el parto y el violín empieza a pasar de generación en generación, cae en manos racialmente diferentes, así como en numerosos puntos geográficos del mundo, por lo que la película es hablada en varios idiomas, como inglés, francés, italiano, alemán y mandarín.

Es interesante la historia del niño huérfano del siglo XVI criado en un convento y que a su corta edad, de unos 6 años aproximadamente, era casi un virtuoso del violín; el niño tocaba limpiamente las melodías más complicadas en un instrumento que era más grande para su edad; y su amor por el violín rojo era tanto que dormía en la cama abranzándolo.

El juego del tiempo es magistralmente usado por Girard, para contarnos de donde proviene y por donde ha viajado ese perfecto violín rojo, antes de ser subastado en Canadá en la época actual. François Girard maneja a su antojo el tiempo sin que la audiencia se pierda; así, uno viaja desde el siglo XV hasta el siglo XX y a sus intermedios con toda naturalidad.

Me gusta especialmente la parte cuando hay una comunicación a través de cartas entre dos de los protagonistas: el violinista y compositor Frederick Pope y su amante y escritora Victoria Byrd, porque el realizador François Girard presenta esta comunicación epistolar entre ambos más bien como un diálogo activo y fluido, en la que nosotros, los espectadores, parecemos suspendidos sobre el tiempo, mirando todas las cartas -o su esencia- desde el principio hasta el fin en unos cuantos segundos. Así como también es interesante el manejo del tiempo en la escena de la subasta, en la cual, con el truco de repetirla desde diferentes ángulos, se van liberando poco a poco detalles muy importantes. Además es muy adecuado que casi al final se revelara el origen del color rojo del violín.

La historia tiene un ritmo tan perfecto que desde la primera escena queda uno hechizado, tanto por la trama tan bien lograda, así como por la magia de la imágenes bellamente fotografiadas y la dirección de arte muy bien ubicada. Sin embargo, es por la exquisitez de la música, la pasión con que es interpretada, su intensidad nacida de lo más profundo del corazón, que uno no puede dejar de grabarse en la memoria esta película; esa música, como un magnífico monstruo que lo domina todo, compuesta por John Corigliano, fue premiada con un Oscar por Mejor Música Original.

Para los que estén cansados de ver cine con guiones clichés y actuaciones exageradas, recomiendo «El violín rojo». Al ver este largometraje de ficción disfrutarán de una conjunción armoniosa entre fotografía, música, actuación y una buena historia.

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Actualización al 22/12/11

Agradezco sobremanera a todas las personas que han respondido esta convocatoria. Estoy más que feliz de que muchos quieran colaborar con este humilde espacio y he tenido el deleite de contar con gente que ya seguía en otros sitios y que me enorgullese que ahora formen parte de La Cinerata. No obstante por el momento he decidido ya cerrar la cantidad de autores y hasta nuevo aviso no necesitaré más colaboradores.

Año nuevo, vida nueva reza el viejo dicho. Asique como ya pisamos el fin de este 2011 con algunos cambios, y como no siempre le podré dedicar a este humilde blog todo lo que creo se merecen los que siempre me acompañan, pues he de recurrir a un equipo.

¿Qué se busca?

• Ante todo una persona que ame el 7mo arte o las series, que tenga disciplina, sea abierta al diálogo y tenga algo de tiempo libre en la semana y, por supuesto, que le guste escribir.
• Que entienda la filosofía de La Cinerata y su siempre visible lema "...con visión de simple espectadores", es decir, alguien que hable desde el único lugar que acá conocemos: la butaca. Nada de formalismos, ni acartonamientos, ni cátedras.

• En lo posible adoraría poder contar con fanáticos de:

1. Animé y manga
2. Cine de terror
3. Cine oriental
4. Series

No hace falta ser especialista, cualquiera medianamente seguidor de estos rubros sabrá más que yo!.

De más está decir que la colaboración será totalmente, y por el momento al menos, Ad Honorem.
Los interesados podrán contactarme en el formulario de la solapa "contacto" del menú de cabecera.

Desde ya muchas gracias y espero ansiosa!

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En un año en el que los seguidores del siempre genial Peter Capusotto nos quedamos con las ganas de su programa televisivo, Peter capusotto y sus videos, ahora tenemos la inmensa alegría de poder compartir en pantalla grande y 3D lo que ya reza en el trailer "La misma bosta de siempre pero en 3D". Personajes ya entrañables como Bombita Rodriguez, Micky Vainilla, Pomelo o, mi preferida  y alter ego, Violencia Rivas (que presenta el film en el trailer) harán de las suyas en este film a estrenarse en Enero del 2012, dirigido por Pedro Saborido y manteniendo la esencia del programa de TV.

“El eje temático de la película es el entretenimiento. Estuvimos trabajando con Pedro seis meses en el guión. Tiramos muchas ideas, hay cosas que ya ni recuerdo bien. Nos quedamos con varios relatos más desarrollados que en la tele. Todos comparten ese hilo conductor relacionado a las cosas que se venden para entretenernos”

Además de los  conocidos e incontables personajes que forman parte del programa, parece que habrá un uno nuevo, un "pendeviejo" con dos hijos que representará- seguramente en su forma más cínica- a los adultos o Kidults que se niegan a crecer.
Peter Capusotto y sus videos, nacido como una mezcla de programa humorístico y musical sobre bandas de Rock clásicas y modernas en el canal de Rock & Pop TV, pasó luego a Canal 7 donde explotó en popularidad gracias a la idiosincrasia y locura de uno de nuestros mejores humoristas. Desde política hasta la propia tevé, Capusotto no se guarda la sátira para nadie con especial hincapié, por supuesto, en el mundo de la música.
Los dejo ahora con el trailer, una divertidísima Violencia Rivas disertando sobre los abusos de ciertas personas en las salas de cine. ¡¡Para esperar con ansias!!

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A pesar de ser el documental uno de mis géneros preferidos, suelo ser bastante exigente a la hora de visionarlos. A veces no basta con una buena historia o un protagonista llamativo sino que además, como en todo film, debe tener un pulso narrativo acertado. Así Nestor Frenkel, guionista y director de Amateur, no sólo logra un maravilloso homenaje al Super 8 y las cintas caseras en general, sino que nos propone conocer en su protagonista a un ser maravilloso y admirable, un personaje super pintoresco como es Jorge Mario.
La introducción de este film es lo más grandioso, entretenido y nostálgico que he visto en mi vida. Un recorrido exhaustivo y colorido por la historia de las cámaras caseras de Super 8, los recursos narrativos de la gente común, la evolución de los intereses que una camarita en mano ha dado a la humanidad. Desde esa mirada universalizada llegamos a un evento anual como es el Home Movie day (del que debo reconocer no tenía ni idea de su existencia) donde personas comunes se reunen en el Centro Cultural Rojas para mostrar en público filmaciones caseras arrumbadas en las casas, cintas que muchas veces ni se sabe qué contienen, para finalmente llegar al personaje de esta historia, un odontólogo apasionado por el cine que de joven ha filmado varias películas caseras, entre ellas un western llamado Winchester Martín y que ahora, cuarenta años después quiere volver a filmar a modo de remake.
Con una gracia pocas veces vistas en este tipo de formatos, Frenkel sin siquiera emitir preguntas logra retratar impecablemente la figura de un hombre orquesta capaz de equilibrar con su profesión no sólo la pasión por el cine sino además otras miles de actividades como la filatelia, colecciones varias, la fundación de un grupo de Boy Scouts, la conducción de un programa radial, practicante de tiro y un millón de cosas más. La ficha de este film en el Bafici de este año no se equivoca en absoluto cuando dice que "La película de Frenkel, con humor y gran despliegue de ideas (notablemente, los planos-western), va de lo general a lo particular, y de allí apunta a lo más entrañable del corazón del universo, para convertir a Jorge Mario en uno de los personajes memorables de este Bafici". Es que Mario no se nos quitará de la cabeza fácilmente. Es un hombre de una vitalidad abrumadora, uno de esos personajes que la vida te regala pocas veces y que dejaría a muchos de nosotros- considerados cinéfilos extremos- en un últimísimo escalón de jerarquías. Ver nada más su extraordinario sistema de clasificación de films vistos me dejó realmente sorprendida, minimizada y replanteándome qué tan cinéfila realmente soy.
Frenkel además elije cada encuadre y recurso narrativo muy cuidadosamente, lo que hace de este director un verdadero maestro del documental. Allí donde otros necesitarían una voz en off, una declaración de testigo, un comentario aparte, él lo logra con un encuadre perfecto en la casa de Mario donde la decoración habla por sí misma, donde las posturas del protagonista lo dicen todo. Tómese por ejemplo la figura de la esposa de Jorge Mario, una mujer que sin emitir una sola palabra habla todo el tiempo, se planta como una protagonista más sólida a veces que el propio odontólogo para reafirmar aquello de que detrás de todo gran hombre hay una gran mujer.
Por eso será que me dolió tanto leer en un comentario de un profesional del medio sobre este film algo como esto:

El protagonista -que por momentos recuerda al Daniel Burmeister de El ambulante- tiene muchos atractivos como para generar empatía del espectador, aunque para mi gusto Frenkel -que hace gala nuevamente de sus múltiples ideas narrativas y visuales- resulta demasiado condescendiente con su criatura, incluso ante cierto patetismo de sus actividades y pensamientos.

Todo el derecho a que no nos guste un film, pero tildar de patético a alguien como Jorge Mario, resulta realmente más patético y decir que el director fue condescendiente con su criatura me sorprende. No diré más porque no me interesa generar una discusión que no viene al caso, el verdadero caso es que hay que ver este documental. Me lo agradecerán no sólo por lo entretenido, sino además por lo grandiosamente nostálgico, lo humanamente claro que es. Gracias Frenkel, atentísima estaré ante los nuevos proyectos que tengas. Y que espero sean muchos!.

Néstor Frenkel nació en Buenos Aires en 1967. Sonidista de oficio desde 1993, en 1999 dirigió y produjo una serie de cortos animados titulados 'Marcello G., sólo un hombre…', y luego el mediometraje de animación 'Plata Segura'. En 2005 estrenó su primer largometraje de ficción 'Vida en Marte' y 'Buscando a Reynols' su primer largometraje documental. A fines de 2007 terminó su segundo documental 'Construcción de una Ciudad'. En 2010 produjo el largometraje de ficción 'La hora de la Siesta' de Sofía Mora y en 2011 presenta "Amateur", su tercer largometraje documental como director.

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La Twentieth Century Fox acaba de lanzar el primer trailer de esta remake de la famosísima serie televisiva, Los tres Chiflados de los hermanos Farrelly (Peter Farrelly y Bobby Farrelly). El film esta protagonizado por Sean Hayes, Will Sasso, Chris Diamantopoulos, Jane Lynch, Jennifer Hudson, Sofia Vergara, Craig Bierko, Stephen Collins​, Larry David​ y se estrenará el año próximo. Más allá de que nunca los soporté, poster y trailer no hacen mucho porque cambie de opinión. Ustedes qué opinan?

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Cineastas buscan formas originales de producir un documental sobre el arte, la memoria y los derechos humanos. Con sólo 4 semanas para recaudar fondos a través de la web, buscan sumar como “productores” al público interesado.

La historiadora Alejandra Vassallo y la directora Pía Sicardi entran en la etapa final del rodaje de su largometraje documental Piedra libre que cuenta con el auspicio de las Abuelas de Plaza de Mayo, Madres de Plaza de Mayo Línea Fundadora y la Secretaría de DDHH de la Nación. Después del exitoso recorrido del work-in-progress de la película por distintos foros y el Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos DerHumALC, y de numerosas invitaciones a presentar la película terminada en diversos festivales, las co-directoras apuestan a sumar esfuerzos independientes para ver realizado su sueño y echarlo a rodar. “Nos dimos cuenta de que era mucha la gente que se sentía movilizada con este proyecto y nos decía que había que terminarlo y mostrarlo en todos lados”, dice Pía Sicardi entusiasmada. “Los apoyos y subsidios tardaban y nos desviaban del proyecto, así que la venimos haciendo de a poco, produciéndola nosotras y con la ayuda desinteresada de un equipo con una fe increíble en la calidad de esta historia, que es la de todos”, agrega Alejandra Vassallo.



Pero las ganas de “parir” la película sin más demoras se impone y para eso necesitan financiación para terminar de filmar y comenzar la posproducción. Así, las directoras aceptaron el desafío de lanzar una campaña atípica para juntar fondos en forma independiente. “Se trata de algo nuevo en el mundo del arte y sobre todo en la Argentina, donde los que participan se convierten en productores y colaboradores de proyectos artísticos que los interpelan a un nivel muy personal. Esto hace que todos pujen para que el proyecto que eligen cumpla sus objetivos.” cuenta Sicardi. “La idea es sencilla: nosotros publicamos el proyecto en una plataforma online (www.idea.me) para que todos puedan conocerlo y decidir si quieren co-producirlo. Desde U$5 (cinco) dólares a U$650, ¡todo suma! ¿Y lo mejor? Cada “productor” tiene su recompensa, desde figurar en los créditos de la película, ringtones y DVDs de edición limitada, hasta un concierto privado de música latinoamericana, además de otras sorpresas.” ¿Pero por qué dicen las realizadoras que tanto creadores como productores unen su suerte en esta aventura? “Porque el sistema de financiamiento colectivo (crowdfunding) hace que si tu proyecto no logra recaudar el monto total, ningún dinero cambia de mano. Es decir, los productores se aseguran de que su aporte sólo será cobrado si entre todos alcanzan la suma necesaria,” explica Vassallo. La plataforma Idea.me ofrece dos ventajas únicas: por ser online, el acceso es muy fácil y puede llegar a potenciales productores en todo el mundo, a quienes las creadoras mantendrán actualizados de todo lo que sucede con la película día a día. Y lo segundo, al estar asociada a MercadoPago, ofrece una forma segura y rápida de pago electrónico.
Piedra libre sigue los recorridos de la memoria por la justicia y la verdad desde un punto de vista único y original. Doscientas mujeres bailan una coreografía de danza afro en las calles de Buenos Aires, exorcizando un pasado de muertes y ausencias. Sus cuerpos danzando al son de los tambores invocan la memoria de otros cuerpos que ya no están. Esta es la historia contada por sus protagonistas, a través de recuerdos personales que, como pensamientos en voz alta, van hilando la memoria colectiva de un pueblo. “Sentir el entusiasmo del público en cada lugar donde presentamos el work-in-progress de la película y los debates que genera es increíble. Desde estudiantes de escuela secundaria a académicos en congresos, mujeres en cárceles y foros de arte, la respuesta y las ganas de participar aúnan a los espectadores, que se imaginan danzando la memoria en la siguiente marcha por la justicia y la verdad. Esto nos animó a buscar formas alternativas de producción como Idea.me. El dinero recaudado lo usaremos para filmar algunas escenas que requieren de gran producción, viajar al interior como parte de las últimas entrevistas y para cubrir algunos rubros de postproducción".
La película se está filmando en las calles, barrios y parques de Buenos Aires, Gran Buenos Aires, Villa Constitución y Trelew. Si las realizadoras logran recaudar el monto necesario, esperan poder estrenar el film en 2012. Para saber más sobre la este proyecto y la campaña de financiamiento, pueden visitar la página del proyecto en Piedra Libre (ESPAÑOL)

Pía Sicardi es cineasta egresada de la ENERC y cantante, integrante del cuarteto de música latinoamericana El Culebrón. Su tesis Entrecenizas participó en diversos festivales internacionales y ha trabajado en varios largometrajes documentales y de ficción.
Alejandra Vassallo es historiadora y bailarina, integrante del colectivo Oduduwá Danza Afroamericana, inspirador de este film documental, donde ha logrado reunir su pasión por la historia de las mujeres, el género y la danza.

Más información en
www.piedralibrepelicula.com.ar
www.facebook.com/piedralibredocumental

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Para Mayo del 2012 se estrenará La despedida, film dirigido por Juan Manuel D’ Emilio. Una coproducción con Pampa Films con el apoyo del INCAA

Selección Nuestra América Primera Copia
Festival Internacional De La Habana 2011



TRES AMIGOS Y UN PARTIDO DE FUTBOL QUE CAMBIARA SUS VIDAS PARA SIEMPRE

José (Carlos Issa) fue ídolo futbolístico del Club Juventud Unida pero su carrera está ya en el ocaso. José esconde una grave enfermedad y por orden de su médico tiene que dejar el fútbol aunque si esto indica despedirse de la vida quiere hacerlo de la mejor manera que conoce: jugando a la pelota.
El equipo disputa un partido definitivo en Mar de Ajó pero el director técnico Carusso (Gustavo Castellano) lo tiene relegado al banco, al igual que a sus amigos de toda la vida, Fede (Fernando Pandolfi) y Rossi (Héctor Díaz). El Mago, un chico de 19 años, será el delantero de la fecha pero viendo un video de Argentina- Brasil en el que el jugador Branco toma agua de un bidón adulterado, los amigos deciden que ésta será la única manera en la que José pueda jugar su partido de despedida.
Así, los tres amigos junto a la mujer de José (Natalia Lobo) emprenden un viaje histórico hacia un partido de fútbol que cambiará sus vidas para siempre.

Ficha Artística:

José: Carlos Issa
Fede: Fernando Pandolfi
Rossi: Héctor Díaz
Andrea: Natalia Lobo
Carusso: Gustavo Castellano

Ficha Técnica:

Dirección: Juan Manuel D’ Emilio.
Guión: Juan Manuel D’Emilio y Gabriel Nicolini.
Productor ejecutivo: Gabriel Pastore
Director de Fotografía: Daniel Ortega
Directora de Arte: Maria Battaglia
Director de sonido: Fernando Soldevila
Montaje: Natacha Valerga.
Musica Original: Christian Basso
Vestuario: Peta Acevedo
Asistente de dirección: Mariela Osorio
Jefe de Producción: Juan De Francesco.
Productores: Gabriel Pastore – Charlie Mainardi – Chavo D’Emilio
Producción: Argentina Mayo 2011
Duración: 85 minutos.

Trailer

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